CAPÍTULO 1 Siglo XVIII

Hija del pintor valenciano especializado en temas religiosos, Apolinario Larraga (ca. 1660-1728), cuya deformidad en ambas manos desde su nacimiento no le impidió aprender con su padre a dibujar y a pintar «con mucha perfección y era una excelente colorista». Josefa dominó el dibujo y el color y se especializó en pinturas de miniaturas de temas religiosos e históricos con los que alcanzó fama en la ciudad de Valencia. Josefa Larraga fue la primera mujer en regentar la primera academia de pintura para mujeres en Valencia, hecho que la sitúa entre las pioneras en la enseñanza artística entre la población femenina en España.

El pintor e historiador Ceán Bermúdez (1749-1829) cita a Josefa María Larraga en su Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las bellas artes en España, por formar parte de los pintores de miniaturas más importantes del siglo XVIII. Entre sus obras destaca un Relicario de Jesús y María expuesto en el convento de Santo Domingo de Valencia.

Hija del escultor francés Florent Natoire (ca. 1667-?) y hermana del pintor de historia Charles-Joseph Natoire (1700-1777), ambos hermanos dieron sus primeras clases de dibujo con su padre. Juntos se dedicaron a la pintura de estética rococó, pero Jeanne se especializó en la técnica del pastel. En 1751, su hermano Charles-Joseph fue nombrado director de la Academia Francesa en Roma y Jeanne, que siempre vivió con él, lo acompañó a Italia. En Roma, realizó copias de muchos pintores, como Jean-François de Troy (1679-1752) y Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1). En 1756, su hermano intentó asegurar una pensión para ella.

Ocho de sus pinturas pertenecieron al coleccionista de arte Jean de Julienne (1686-1766), y el pastel Busto de una joven sosteniendo una máscara fue comprado en 1770 por el financiero y amante de las artes Lalive de Jully (1725-1779). El pintor Jean-Étienne Liotard (1702-1789) realizó un retrato de Jeanne Natoire que actualmente se encuentra en la colección del Museo Albertina en Viena, Austria.

Agatha y Cornelia eran hermana menor e hija respectivamente del pintor neerlandés Herman van der Mijn (1684-1741), que fue maestro del gremio de San Lucas de Amberes en 1712 y del que ambas aprendieron el arte de la pintura. Los tres, Herman, Agatha y Cornelia, se especializaron en el género pictórico de los bodegones, y en 1712 se trasladaron juntos a Düsseldorf, cuando Herman acudió a trabajar bajo las órdenes del elector palatino Johann Wilhelm. Junto a ellos también viajó la alumna del pintor Jacoba Maria van Nickelen (vol. 1 ). En esta ciudad y coincidiendo con ellos, estuvo también activa la pintora Rachel Ruysch (vol. 1). En 1727, la familia Van der Mijn se estableció definitivamente en Londres, ciudad donde tía y sobrina desarrollaron un trabajo en el que muestran un estilo muy similar.

De familia de artistas, Agatha, hija menor del carpintero Andries Heerens van der Mijn (1645-1708) y su esposa Trijntje Hendricks (ca. 1658-d. 1727), fue bautizada en la iglesia de Westerkerk, en el centro de Ámsterdam. Aprendió a pintar bodegones de flores y frutas junto a su hermano mayor Herman y sabemos que a sus dieciocho años ya estaba activa como artista gracias al poeta Willem van Swaanenburg (1580-1612), porque en su libro de poemas Parnas, de 1724, incluyó un poema en honor a su dieciocho cumpleaños en el que le confesaba su amor eterno y la describía como una «diosa mágica de pintura de flores». En 1722, Agatha se mudó a Londres junto a toda la familia Van der Mijn, donde vivieron desarrollando el arte de la pintura y probando suerte como retratistas de nobles ingleses. Parece que Agatha se casó en Inglaterra con un pintor conocido como Boei, pero no tenemos más datos sobre su vida, salvo que estuvo en Inglaterra hasta su muerte.

Se conocen dos cuadros suyos fechados en 1727 (Christie’s, Londres 31-1-1975, n.º 93-94). En 1728, Herman, que andaba escaso de dinero, vendió algunas piezas propias y también «algunas piezas de frutas y flores con aves muertas pintadas aquí por su hermana […] Agatha van der Mijn, que vino con él». Entre 1764 y 1768 se expusieron tres bodegones frutales suyos en la Sociedad Libre de Artistas en Londres. El cuadro Bodegón con frutas y aves de corral, firmado por Agatha van der Mijn, fue subastado en Christie‘s el 11 de febrero de 1992. Las obras de Agatha van der Mijn son bastante raras hoy en día, aunque de vez en cuando sale a subasta algún bodegón suyo. El hecho de que Agatha, Herman, seis de los hijos de Herman, incluida Cornelia, trabajaran y vendieran obras conjuntas en el taller familiar hizo que el estilo de todos sea tan similar que no facilita la identificación del trabajo de los distintos miembros de la familia.

Mary Delany fue la tercera hija del matrimonio aristócrata conservador formado por el coronel Bernard Granville y Mary Westcombe, y hermana de Bernard (1699), Bevil, (ca. 1704) y Anne (1707). Cerca de 1710, toda la familia se trasladó a Londres, donde recibió una exquisita formación en idiomas, música, bordado, dibujo y pintura. Con esta buena educación fue a vivir a la corte con su tía, lady Stanley, con la intención de ser llamada como dama de honor. Allí entró en contacto con el compositor alemán G. F. Handel (1685-1759), con el que entabló una estrecha amistad. En 1714, la muerte de la reina Ana Estuardo (1665-1714) supuso un cambio de poder y las esperanzas de Mary de convertirse en dama de honor se vieron frustradas. Entonces, su familia se aisló de la sociedad inglesa, instalándose en una mansión en Buckland, en Gloucestershire, donde Mary continuó su educación estudiando varios idiomas y desarrollando su habilidad en la pintura, en la música y en el bordado, pero por lo que más destacó fue por su enorme talento, mostrado desde bien pequeña, en cortar papel.

En diciembre de 1717, mientras Mary visitaba a su tío George, el primer barón de Lansdowne, conoció al político conservador y terrateniente de Cornualles Alexander Pendarves (1662-1725). En febrero del año siguiente, las necesidades económicas familiares llevaron a sus padres a concertar un matrimonio con él, Pendarves tenía sesenta años y ella diecisiete. Tras un desgraciado matrimonio por la enfermedad de su marido, se quedó viuda en 1724 y, como Alexander no había modificado su testamento, Mary no heredó nada. Para Mary quedarse viuda fue una liberación, a pesar de la falta de recursos, porque pudo perseguir sus propios intereses sin la supervisión de ningún hombre, ya que las mujeres viudas, a diferencia de las mujeres solteras, podían moverse libremente en la sociedad. En una ocasión escribió:

«¿Por qué las mujeres deben verse obligadas a casarse? ¡Un estado que debería ser siempre una cuestión de elección!»

Sin casa propia, Mary vivió viajando con libertad y hospedándose con familiares y amigos hasta que conoció en Irlanda a Patrick Delany, un clérigo irlandés aficionado como ella a la botánica, con quien se casó en junio de 1743. Se quedó viuda por segunda vez en 1768 y pasó un tiempo con su amiga Margaret Bentinck, duquesa viuda de Portland (1715-1785), en su casa de campo de Bulstrode, cuyos jardines inspiraron a Delany. En este tiempo entabló amistad con la acuarelista y miniaturista Letitia Bushe (pintorA n.º 9), con quien realizó varios proyectos artísticos. Hacia 1771 y después de visitar la extensa colección de especímenes botánicos de Bank, un pueblo del condado de Hampshire, inventó una nueva forma del decoupage, técnica decorativa elaborada con papeles recortados pintados, creando sus famosos mosaicos de papel sobre una base negra aterciopelada que tituló Flora Delanica. En ellos reproducía especies botánicas a modo de herbario con gran detalle y valor científico, pues cada pieza de la colección incluye una etiqueta con una numeración, sus nombres común y botánico. Mary Delany comenzó esta técnica con setenta y dos años, en la etapa final de su vida, pero fue capaz de crear más de mil obras hasta que tuvo problemas en la vista en 1784. Jorge III le concedió una casa en Windsor y una pensión hasta su muerte, acaecida en 1788. A lo largo de su vida, Mary Delany también se dedicó a copiar obras de maestros antiguos, hizo retratos de familiares y amigos a lápiz y al óleo, bordó, decoró naipes, hizo trabajos ornamentales con conchas, diseñó muebles y escribió e ilustró una novela. Alcanzó su mayor fama en la madurez, cuando su vida social también era más activa, y por eso hay quien opina que el éxito de su obra se debió, en parte, a sus excelentes contactos, pero lo cierto es que la genialidad de esos collages, que responden también a su afición a la jardinería, es un hecho que puede comprobarse.

En sus Anécdotas de la pintura en Inglaterra el escritor Horace Walpole (1717-1797) comentó que Delany era «Una dama de excelente sentido y gusto que pintaba al óleo y que inventó el arte del mosaico de papel». Su colección fue legada en 1897 por la sobrina mayor de Delany, lady Llanover, al Museo Británico. En 1980, una descendiente de la hermana de Mary Delany, Anne Ruth Hayden, publicó un libro sobre el trabajo de Delany: Mrs. Delany and Her Flower Collages, que fue reeditado en el año 2000 como Mrs. Delany: Her Life and Her Flowers.

De niña se quedó huérfana de padre y su madre, viendo su gran habilidad para el dibujo, la alentó para que explotara su talento artístico. A falta de museos, galerías y academias públicas donde aprender, cuando Madeleine tenía diez años se ganó la confianza de uno de los guardias de Hôtel de Soubise, hoy sede de los Archivos Nacionales de Francia, que le permitía entrar a primera hora para copiar las obras expuestas en su galería. Más adelante obtuvo permiso para entrar a la galería del Palacio Real, donde continuó con diariamente la misma rutina hasta los dieciséis años.*

Más tarde, al parecer, fue alumna de la pintora veneciana especialista en pastel, Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1). A partir de entonces encadenó una serie de maestros de pintura, el primero fue el pintor y grabador Paul-Ponce-Antoine Robert (1686-1733), también recibió clases de botánica del médico y botánico Bernard de Jussieu (1699-1777) y, demostrando una extraordinaria capacidad en este género, decidió dedicarse a la pintura floral, ya que le proporcionaba un ingreso constante con el que poder mantener a su familia. Fue alumna de Claude Aubriet (1651-1742), el pintor botánico real a quien sucedió en 1735, convirtiéndose en la primera mujer en ocupar el cargo de pintora oficial en los jardines botánicos del rey en París, puesto que mantuvo hasta su muerte y que la obligaba a proporcionar doce pinturas al año a la Corona, la mayoría de las cuales se conservan en el Museo Nacional de Historia Natural de París. Trabajando para la Corona, el rey Luis XV también le encargó que instruyera en la pintura de flores a las princesas, trabajo que desempeñó de 1735 a 1741. Al mismo tiempo, trabajó como diseñadora para la Academia de las Ciencias y quizá trabajara durante un tiempo como decoradora de interiores para Madame Pompadour (1721-1764). La artista también decoró objetos de lujo, como textiles y porcelana, una práctica común entre muchos de los pintores de la corte real, aunque muchas de estas ornamentaciones no estaban firmadas. Basseporte no fue una «simple doradora o pintora de flores», pues mostraba la estructura de las plantas desde un enfoque científico. En palabras del polímata suizo francófono filósofo Jean-Jacques Rousseau (1712-1778):

«La naturaleza da a las plantas su existencia, pero mademoiselle Basseporte les da su preservación.»

Hay que destacar sus esfuerzos para enseñar y apoyar a sus protegidos, hombres y mujeres jóvenes del arte y la ciencia, pintoras como Elizabeth Blackwell (pintora n.º 15) y Anne Vallayer-Coster (pintora n.º 114) pudieron haber sido sus alumnas de ilustración botánica durante una parte importante de su carrera. Cuando tenía setenta y siete años, Madeleine comenzó a añadir su edad junto a su firma, tal vez en un rechazo de la discriminación por edad y para marcar su compromiso con su oficio. A pesar de todo ello, nunca fue invitada a unirse a la Real Academia de Pintura y Escultura de París ni recibió los elogios que merecía y durante el siglo XIX muchas de sus obras fueron atribuidas a otros pintores.

Hija del pintor y grabador veneciano Luca Carlevarijs (1663-1730), a quien ayudó en su taller, Marianna aprendió el arte del retrato al pastel, en el que se especializó junto a la pintora Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1), en cuyo taller coincidió con Felicità Sartori (pintorA n.º 27). Por la similitud estilística y temática de las obras de Rosalba Carrera y Marianna Carlevarijs, algunos de los retratos de esta última se han atribuido erróneamente a Carriera. Un ejemplo es el Retrato de un caballero desconocido, de 1737, hoy en la Pinacoteca de Brera, en Milán, que, atribuido a Rosalba, ha sido reasignado a Marianna debido a su semejanza con sus pocas obras conocidas, entre ellas, los retratos de la familia Balbi, conservados en el Palacio Ca Rezzonico de Venecia, con quien pudo haber tenido vínculos estrechos.

Nacida en el seno de una familia de artistas, su padre fue el orfebre y platero Jacques-Nicolas Loir (¿-ca. 1751), que trabajó como consejero del Rey Sol, Luis XIV de Francia, su abuelo fue el pintor y grabador francés, especializado en alegorías religiosas e históricas, Nicolas Pierre Loir (1624-1679) y su hermano fue el conocido pastelista y escultor Alexis Loir (1712-1785). Marianne creció así en un ambiente artístico y se cree que entre 1738 y 1746 recibió clases del pintor académico Jean-François de Troy (1679-1752) cuando este era director de la Academia Francesa en Roma, de manera que la artista vivió en dicha ciudad durante esos años, donde terminó especializándose en el retrato al pastel. A su vuelta de Roma, pudo haber vivido durante un tiempo en el sur de Francia, ya que existen registros de retratos que pintó para mecenas en las ciudades de Pau y Toulouse. En 1762 fue elegida miembro de la Academia de Arte de Marsella. Esta institución, a diferencia de la Real Academia de París, admitía a aficionados de ambos sexos y no excluía a las mujeres de premios y exposiciones. En 1763 se encuentra activa profesionalmente en París, donde ese mismo año pinta el Retrato de Antoine Duplàa a la edad de nueve años. Trabajó para clientes ricos, muchos de ellos aristócratas, lo que se advierte en los diez retratos que se le han atribuido de forma segura, aunque hay muchos más que probablemente sean de su autoría. Estos retratos reflejan su habilidad para plasmar la calidad de los objetos y los tejidos, así como su facilidad para poner al descubierto los rasgos psicológicos de sus clientes. Entre ellos hay un supuesto Retrato de la señora Geoffrin, dueña de un famoso salón literario o salonière en París, hacia mediados del siglo XVIII, y un Retrato de Gabrielle Émilie Le Tonnelier de Breteuil, marquesa de Châtelet, de 1749, un delicioso retrato de una de las mujeres más destacadas de la Ilustración francesa del siglo XVIII, filósofa, matemática y física, amante de Voltaire. Sus cuadros, fechados y firmados, se realizaron entre 1745 y 1769, año de su fallecimiento.

Su obra formó parte de la exposición Women artists: 1550-1950 celebrada en el Museo de Arte de Los Ángeles en 1976.

Hija del terrateniente irlandés Arthur Bushe (1691-1761) y Mary Forth (1695-?), Letitia fue miembro del círculo intelectual y cultural al que pertenecía, entre otros, su amiga Mary Delany (pintorA n.º 5), a quien visitaba frecuentemente. De hecho, gran parte de lo que sabemos sobre su vida proviene de las cartas entre ella y Delany, quien la describió como:

«una chica gay, de buen humor, inocente, sin la menor presunción de su belleza ... pinta deliciosamente.»

Bushe tuvo una relación de seis años, que algunos consideraron romántica, con una mujer más joven, la vizcondesa Lady Ann Bligh (1708-1789). Artísticamente, parece que Bushe fue autodidacta, ya que mantuvo un estilo ingenuo a lo largo de toda su carrera, aunque se cree que Bernard Lens (1682-1740), un artista inglés conocido principalmente por sus miniaturas de retratos, o uno de sus hijos, pudieron haberla instruido. De cualquier forma, está considerada una artista con talento que enseñó a pintar a otras mujeres. En Irlanda pintó estudios de casas de campo con sus jardines y vistas de pueblos como Bray, en el condado de Wicklow, que realizó en 1736, y en la que muestra su habilidad como artista topográfica. Esta obra se conserva en la Galería Nacional de Irlanda. Durante una visita a Inglaterra en 1743, pintó una vista de Londres tomada desde Hampstead Heath, así como vistas de Bath y Bristol. Falleció en Dawson Street, en Dublín, y fue enterrada en la iglesia de San Andrés. Su autorretrato en miniatura fue grabado posteriormente por Joseph Browne.

Fue hija de Johann Peter Abesch (1666-1731), el primer pintor profesional de vidrio inverso en Suiza, que llevó este arte a su apogeo. La técnica de vidrio inverso consiste en aplicar pintura a una pieza de vidrio y luego girarlo para ver la imagen. Johann ejerció una gran influencia estilística en su hija Anna Maria, cuyas pinturas, generalmente, representan escenas bíblicas de santos y santas basadas en grabados, sobre todo, franceses. Sus obras fueron muy apreciadas durante su vida y muchas permanecen en diversos monasterios suizos y en colecciones particulares. Su pintura Judith con la cabeza de Holofernes de 1744 se conserva en el Museo de Arte de Basilea. Quedan más de 160 de sus obras (firmadas «ABVE») y se le atribuyen más de 120 obras más.

Junto con su hermana Anna Elisabeth Wald-Auffenwerth (1696-?) (ver PintorAs vol. 1) fueron unas consumadas decoradoras de porcelana con diseños únicos con los que se hicieron famosas gracias al rico y extenso uso del dorado que normalmente empleaban, lo que permitió que su taller de Auffenwerth fuera uno de los más exitosos.

Hijas del orfebre Johann Auffenwerth (1659-1728), con taller en la ciudad alemana de Augsburgo, Sabina y su hermana Anna fueron de las primeras mujeres en Europa dedicadas al diseño y la decoración de cerámica. Antes del siglo XIX pocas mujeres eran reconocidas en este género y por eso gran parte de su trabajo es desconocido. En 1731, Sabina se casó con el grabador y editor Isaac Heinrich Hosennestel. Entre 1720 y 1760, el taller familiar produjo diseños de imitación de las artes tradicionales chinas y de Asia Oriental para la fábrica de porcelana de Meissen [Primera porcelana producida en Europa]. Diseñaron principalmente objetos como tazas, teteras y platos, con motivos descritos como escenas familiares en interiores, comedias y músicos, caballeros y sus damas, escenas de caza y batalla, retratos y temas mitológicos y alegóricos. Varias piezas decoradas por ambas hermanas llevan sus iniciales, pero, en el resto, las atribuciones a cada una de ellas son difíciles de hacer, ya que sus estilos son estilísticamente muy similares.

Una tetera conservada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se atribuye a Anna Elisabeth Wald, aunque la conservadora de dicho museo, Yvonne Alix Hackenbroch (1912-2012), propuso que su decoración es obra de Sabina, ya que uno de los elementos compositivos de la tetera también se encuentra en una cafetera de un servicio en el que todos menos uno de los componentes están marcados con las iniciales de Sabina.

No tenemos muchos datos biográficos individuales de ambas hermanas, salvo que Barbara Regina fue maestra de dibujo y pintura de Margaretha, ya que era veinte años mayor ella. También sabemos que Barbara se casó con el pintor Nikolaus Christopher Matthes (1729-1796), con quien vivió en Hamburgo durante un tiempo, pero que después volvió a Núremberg con su familia, donde permaneció toda su vida y llegó a declinar la invitación de convertirse en pintora de la corte archiducal de Baviera. Christoph Jakob Trew (1695-1769), médico y figura importante en la comunidad botánica de Núremberg, invitó a Barbara Regina y Margaretha Barbara, a contribuir con sus ilustraciones en su obra Hortus Nitidissimis de 1750 y en el prefacio de su publicación Plantae Selectae del mismo año se refirió a Barbara Regina Dietzsch:

«Nuestra compatriota, la señorita Barbara Regina Dietzsch, ahora bastante famosa en todas partes.»

Ambas pintoras se especializaron en realizar acuarelas y pinturas en gouache de temática botánica, entomológica y ornitológica sobre fondos negros que posteriormente ellas mismas pasaban a grabado. Sus obras se vendieron en Alemania, Inglaterra, Holanda y Francia y han sido incluidas en libros de historia natural alemanes. Su trabajo estuvo muy bien remunerado a través de una buena clientela procedente de los países citados.

En 2020, el Museo de Arte de Baltimore (BMA) adquirió dos acuarelas de Barbara Regina Dietzsch, Blue Morning Glory y Narcissus (ca. 1760), pero, a pesar del reconocimiento que tuvo en su época como pintora de flores y la presencia de sus obras en museos de Estados Unidos y Europa, sigue siendo una artista poco conocida. A veces también ha habido falsas atribuciones, como es el caso de dos estudios de aves muertas, Pájaro muerto colgando y Un pinzón de pecho rosa colgado de un clavo que, perteneciendo su autoría a Barbara Regina Dietzsch, habían sido atribuidas anteriormente al pintor naturalista Johannes van Bronckhorst (1648-1727).

Hija del violinista modenés Giovanni Battista Tibaldi (d. 1660-d. 1736), aprendió el arte de la miniatura con el abad Giovanni Felice Ramelli (1666-1740), un prelado de la ciudad de Asti, famoso en este género. Sus hermanas Teresa e Isabela también fueron artistas del mismo género, sin embargo, de ellas no hemos encontrado más información. En 1739 se casó con el pintor e ilustrador francés Pierre Subleyras (1699-1749), que hoy es considerado uno de los pintores franceses más destacados de su época. En 1742 se convirtió en la segunda pintora en ser admitida en la Academia de San Lucas, después de Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1). Un año más tarde ingresó junto a su marido en la Academia Literaria de la Arcadia, creada en Roma en 1690, cuyos miembros tomaban nombres mitológicos, y Maria Felice adoptó el nombre de Asteria Aretusa [Una náyade de un manantial en Siracusa]. Tras enviudar, se mantuvo a sí misma y a sus hijos pintando hasta los últimos días de su vida. Comenzó pintando al óleo aunque, debido a la alergia que le causaba el producto, tuvo que cambiar a la témpera. Pintó retratos en miniatura, grandes temas históricos, bíblicos y mitológicos como los de Baco y Ariadna y Angélica y Medoro. Entre sus obras más destacadas se encuentra el cuadro María Magdalena a los pies de Jesucristo en la casa de Simón el Fariseo, realizado en 1748 y comprado por mil florines por Benedicto XIV en 1752 para los Museos Capitolinos. Esta obra, que fue incluida en el libro de 1905 Mujeres pintoras del mundo, y que es una copia en miniatura de la pintura que realizó su marido en 1737 para el refectorio del convento de Santa María la Nueva en Asti, está actualmente conservada en el Museo del Louvre de París. También reprodujo obras de otros artistas como Francesco Barbieri (1591-1666), del que copió la famosa Aurora, un fresco de Villa Ludovisi, en Roma.

La pintura de su marido Desnudo femenino de la espalda, de 1740, que se cuenta entre los desnudos más bellos de la historia del arte, conservada en la Galería Nacional de Arte Antiguo del Palacio Barberini en Roma, probablemente representa a la artista. Otro retrato de la artista, pintado también por su esposo, se encuentra en la Galería de Arte Regional de Kursk, en Rusia.

Médica británica, fue la primera mujer en recibir un título médico en Estados Unidos y la primera mujer en aparecer en el Registro Médico del Consejo Médico General. Nacida en el seno de una familia de ricos comerciantes de la ciudad de Aberdeen, Elizabeth recibió una amplia educación enfocada en las artes, ya que había mostrado excelentes dotes para el dibujo y la pintura. Se enamoró de su primo segundo, Alexander Blackwell, con el que se casó en secreto y se estableció en Aberdeen. Él era economista y médico de dudosa profesionalidad y, al ser acusado de practicar la medicina de forma ilegal, tuvieron que trasladarse apresuradamente a Londres. Allí, Alexander se asoció con un editor para abrir una imprenta, a pesar de no pertenecer a ningún gremio ni haber sido aprendiz de impresor. Fue obligado a cerrar el taller e, incapaz de pagar sus deudas, terminó encarcelado por declararse insolvente. Elizabeth, con dos hijos a su cargo, tuvo que buscar un medio de vida. Se dio cuenta de que era necesaria una farmacopea (recopilación de recetas de productos con propiedades medicinales) para mostrar y describir plantas exóticas del Nuevo Mundo, y decidió que ella misma la podía ilustrar mientras su marido, dados sus conocimientos médicos, podría escribir las descripciones. De esta manera, cuando Elizabeth terminaba los dibujos, los llevaba a la cárcel, donde él les ponía los correspondientes nombres en latín, griego, italiano, español, holandés y alemán. Al no tener conocimientos de botánica, Elizabeth recibió asesoramiento del entonces conservador del jardín botánico de Chelsea, Isaac Rand, quien le aconsejó instalarse cerca del jardín para poder dibujar las plantas en vivo. Además de dibujarlas en acuarela, la artista grabó las planchas de cobre para imprimir las quinientas imágenes y el texto, y coloreó las ilustraciones impresas. Con la publicación de A Curious Herbal (1737-1739), Elizabeth Blackwell se convirtió en una de las ilustradoras botánicas más importantes de su época, llegando a ser la primera mujer en publicar un herbario. Médicos y boticarios aclamaron la obra, recibiendo una mención del Colegio Real de Medicina. Los ingresos del libro libraron a su marido de la cárcel, pero tiempo después reaparecieron las deudas y los Blackwell decidieron vender parte de los derechos de autor de A Curious Herbal. Alexander dejó a la familia y se trasladó a Suecia donde, debido a una serie de intrigas políticas, se le acusó de alta traición y fue ejecutado en 1747. Elizabeth no volvió a imprimir ni a realizar ninguna obra más y murió en Suecia en el olvido.

Entre 1757 y 1773, el médico y botánico alemán Christoph Jakob Trew publicó una segunda edición en formato revisado y ampliado. Gracias a esta publicación, el libro llegó a Europa y se extendió a todo el mundo hasta convertirse en la obra de referencia de ilustración botánica que es en la actualidad.

Fue pintora de bodegones florales, al igual que su padre, el pintor Jan van Huysum (1682-1749), con el que probablemente aprendió y ayudó en su taller. Según el Instituto Neerlandés para la Historia del Arte (Rijksbureau voor Kunsthistorische Documentatie), algunas de sus obras fueron atribuidas tanto a su padre como a su tío Michiel van Huysum (1703-1777), el cual la nombró su única heredera a su fallecimiento. En 2006, el historiador Sam Segal asignó a Francina dos obras que anteriormente habían sido atribuidas a su padre. Estos trabajos son dos bodegones que se conservan en la colección del Museo Fitzwilliam de Cambridge, Fuente de frutas y Jarrón con flores (1729). Las copias en acuarela que el copista Oswald Wijnen (1736-1790) hizo de estos cuadros, se encuentran en el Museo Teylers de Haarlem, Países Bajos.

Nacida en una familia de artistas en la que ya en su infancia mostró una inclinación natural por las artes e, igual que su madre Marie-Catherine Silvestre (1680-1743) y su abuela Marie-Geneviève Hérault (1680-1743) (ver PintorAs vol. 1), se dedicó al pastel, técnica que aprendió en casa junto a ellas. Desde muy joven copió las obras de su padre, el pintor Louis de Silvestre el Joven (1675-1760), en esta técnica, y en varias ocasiones publicó obras en pastel y miniatura que la convirtieron en una de las artistas más estimadas de su tiempo. Más tarde se convirtió en profesora de dibujo y lectora de María Josefa de Sajonia (1731-1767), a quien acompañó a Francia en 1747, cuando esta contrajo matrimonio con el Delfín de Francia, hijo de Luis XV (1710-1774). Según la etiqueta, ninguna de las personas del séquito de la princesa debía acompañarla, pero Marie-Maximilienne de Silvestre, su lectora, fue la única autorizada a seguirla a Francia y permanecer a su servicio. En la Biblioteca de Versalles se conserva un retrato del dramaturgo italiano Carlo Goldoni (1707-1793) dibujado por Marie-Maximilienne de Silvestre.

Hija del orfebre y grabador de gemas italiano Louis Siriès (1686-1766), Beatrice fue alumna de la pastelista y retratista oficial en la corte de los Médici, Giovanna Fratellini (ver PintorAs vol. 1). En 1726 la familia se trasladó a París, donde su padre fue nombrado joyero real de la corte francesa y donde la artista estudió con pintores como Hyacinthe Rigaud (1659-1743) y François Boucher (1703-1770). De regreso a Florencia en 1732 y tras casarse con Giuseppe Cerroti, hijo de un escultor reconocido en la ciudad, la artista continuó sus estudios artísticos con Francesco Conti (1681-1760) y pronto fue aceptada en la Academia del Arte y del Diseño de Florencia. Dos de sus principales mecenas fueron las familias Gondi y Sandedoni.

Al fallecer Giovanna Fratellini en 1731, Siriès la sustituyó como retratista oficial en la corte de los Médici, por lo que viajó a las ciudades de Roma y Viena, durante los años 1734 y 1735. Se dedicó a la docencia y tuvo muchas alumnas como las florentinas Violante Ferroni (pintorA n.º 36), Anna Piattoli (pintorA n.º 38) y Anna Galeotti (pintorA n.º 92), y a la ítalo-británica Maria Cosway (pintorA n.º 192).

Su obra más reconocida es el retrato grupal con catorce figuras que realizó en 1735, representando a la Familia del emperador Carlos VI de Habsburgo. En la Galería Uffizi se conservan tres autorretratos, entre ellos, uno en que se representa mientras pintaba el retrato de su padre, exhibido en el Corredor Vasari. También pintó al óleo: como ejemplo tenemos una Virgen con su Hijo y Santa María Maddalena de Pazzi, que se encuentra en la sacristía de la iglesia florentina del mismo nombre. Violante Beatrice Siriès fue mencionada en el libro que la investigadora Jane Fortune (1942-2018) escribió en 2009 a través de la Fundación Advancing Women Artists, Mujeres invisibles: artistas olvidadas de Florencia. Dicha fundación, con sede en Indianápolis y Florencia, se dedica a identificar y restaurar obras de arte de artistas femeninas de Florencia.

Nacida en la parroquia de San Babila, en Milán, Vittoria fue la hija mayor del pintor Pietro Ligari (1686-1752) y su colaboradora principal en el taller familiar. Tras la muerte del padre en 1752, es el hermano pequeño quien se hace cargo del taller, aun siendo un pintor más que mediocre que ella. Admirada por sus contemporáneos, se dijo de ella:

«aplicada por su padre a la pintura y a la música, se hace en uno y otro arte admirar como un talento raro y no ordinario.»

Su padre la retrató con paleta, pinceles y un turbante, y su hermano la describe en una correspondencia de 1764 como:

«Siempre vívida en el estudio entre la pintura y la música, no habiéndose adaptado a los usos femeninos habituales, pues incluso la aguja la ejerza con fuerza.»

A pesar de una aparente mala salud, sobrevivió a su hermano trece años, asumiendo el papel de «tía dama» de su sobrino Giovanni Battista y continuando su trabajo como pintora hasta su muerte. En 1777 registró una obra de su propia mano para la colegiata de San José, en Sondrio que representaba a San Pascual Bailon. Muchas pinturas religiosas y algún retrato fueron registrados por Pietro como «hechas por mi hija» y, más tarde, por Cesare como «de mi hermana». Hizo copias de algunas obras e incluso llegó a restaurar pinturas dañadas, como una Santa Orsola, que, según su padre:

«rehizo desde cero tras unos dos meses y medio de trabajo.»

La única obra firmada por Vittoria es un retablo realizado en 1756 para la iglesia de la ciudad de Lanzada, provincia de Sondrio. Atribuidas a la artista tenemos un San José con el Niño, conservado en la Fundación Ligari, Museo Valtellina de Historia y Arte, en Sondrio, y una Santa Catalina de Alejandría. En un terremoto en San Antonio Morignone de 1987 se perdió una Madonna con el Niño Jesús. Unos bocetos de cabezas, manos femeninas y querubines, conservados en colecciones públicas (Fondo Ligari) y privadas, podrían pertenecer a ella. Recibió muchísimos encargos, tanto públicos como privados, como el ciclo del viacrucis de Chiesa Valmalenco.

Hija de un contable, mostró tanto talento desde niña que a los nueve años ya tuvo su primer maestro, el artista alemán Burchard Precht (1651-1738) y después fue alumna del pintor Nicolas Lafrenssen el Viejo (1698-1756). La obra de Hilfeling, dedicada al retrato y sobre todo a las miniaturas, fue muy admirada por el conde y político sueco Carl Gustaf Tessin (1695-1770), uno de los personajes más brillantes de su época, cuya colección de arte fue el núcleo original de la colección del Museo Nacional de Suecia. Entre los clientes de la artista estaban el rey Federico I de Suecia (1676-1751) y la reina Ulrica Leonor de Suecia (1688-1741).

Se casó en 1739 con el cirujano Johann Gottfried Hilfeling, con el que tuvo un hijo al año siguiente, Carl Gustav Gottfried (1740-1823), que también se convirtió en artista.

Tras aprender el arte del retrato con su padre, Anna Rosina recibió clases del pintor de cámara de Federico I de Prusia, Antoine Pesne (1683-1757), del que adoptó su estilo artístico y quien se dedicó al retrato. En 1757 fue llamada por el príncipe Federico de Anhalt-Zerbst (1734-1793), hermano de Catalina la Grande (1729-1796), como pintora de la corte de Zerbst, donde realizó una serie de cuarenta retratos. Durante diez años trabajó para la corte ducal de Brunswick, en la Baja Sajonia, donde contó con el apoyo de la duquesa Filipina Carlota (1716-1801) y se le otorgó en 1764 una importante pensión vitalicia. Casada en primeras nupcias con el pintor de la corte prusiana David Matthieu (1697-1755), al enviudar se casó en 1760 con Luis de Gasc, con quien tuvo dos hijos. A partir de entonces firmó sus obras como Anna Rosina de Gasc. Desde 1769 fue miembro honoraria de la Academia de Dresde, ciudad en la que falleció en 1783.

Casada con un hostelero, Anna Dorothea dejó de pintar para ayudar a su marido en el negocio, y tuvieron cuatro hijos, pero, una vez liberada de sus obligaciones familiares, abandonó a su marido y retomó los pinceles en 1761. Un año después llegó a ser miembro honoraria de la Academia de las Artes de Stuttgart, y fue nombrada pintora de la corte del duque de Wurtemberg. En 1765 se instaló en París mostrando en la Academia Real de Pintura y de Escultura su primer trabajo, El bebedor, aunque le rechazaron una pintura mitológica. En esta ciudad inició una relación con el filósofo y crítico de arte Denis Diderot (1713-1784), del que realizó un retrato con el torso desnudo, y conoció a artistas famosos como el pintor Philipp Hackert (1737-1807), al que también retrató. Pero aunque en 1767 finalmente se unió a la Academia, Anna Dorothea no tuvo éxito artístico en París. Según Denis Diderot:

«No era talento lo que le faltaba para causar una gran sensación en este país (...) le faltaban juventud, belleza, modestia, coquetería; hay que extasiarse ante los méritos de nuestros grandes artistas, aprender lecciones de ellos, tener buenos pechos y un buen trasero, y caer rendida ante el maestro.»

¡¡¡Tela con el señor Diderot!!!

En 1768 abandonó Francia y, tras una breve estancia en Bruselas, llegó a Viena, donde la aceptaron en la Academia de Bellas Artes de Viena por el Retrato de Hackert. Instalada en Berlín en 1769, fue considerada la pintora más importante de Prusia. Decoró con escenas mitológicas el palacio de Sanssouci de Federico II el Grande (1712-1786), a quien también retrató. Los coleccionistas rusos apreciaron su trabajo y le hicieron importantes encargos, como retratar a ocho miembros de la realeza prusiana para Catalina II de Rusia (1729-1796), pese a que Anna Dorothea nunca estuvo en este país. Al morir, fue enterrada en el cementerio de Dorotheenstadt, en Berlín, cuya iglesia fue destruida en la Segunda Guerra Mundial, aunque su tumba quedó intacta.

En el siglo XX, el dramaturgo francés Éric-Emmanuel Schmitt (1960) se inspiró en su relación con Diderot para escribir su obra de teatro Der Freigeist (El espíritu libre), también conocida como El libertino. Se conservan aproximadamente unos doscientos trabajos de la artista, de los cuales, al menos 85 son retratos verificados. En su Autorretrato con monóculo, de 1777, se muestra como una mujer inteligente y cultivada, reflejando su carácter y personalidad y con la mirada directa al espectador. Aun así, apenas el 15 por ciento de sus obras está expuesto, el resto y al menos hasta ahora, tristemente queda oculto en los almacenes de diversos museos alemanes.

Bacchante, óleo sobre lienzo, 1765. Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia.

foto © Album

Los primeros retratos realizados por la artista datan de 1786, ya que con tan solo catorce años pintó dos retratos en pastel de la duquesa Luise. En 1792 y gracias a una beca concedida por los duques, se trasladó a Berlín para convertirse en alumna del pintor Bernhard Rode (1725-1797). El retrato que realizó de su padre tuvo tanto éxito que en 1793 fue admitida en la Real Academia de Artes de Berlín, donde expuso regularmente sus obras hasta 1810. En 1820 pintó un autorretrato que exhibió en la exposición de la Academia en 1822 y que hoy se encuentra en el Museo Nacional Germano en Nuremberg. En 1838 y 1840 volvió a participar en exposiciones de la Academia, principalmente con piezas de género. A lo largo de su carrera, Lisiewska presentó en la Academia más de cincuenta retratos y escenas de género.

Fue la primera hija del matrimonio formado en 1711 en Nápoles por el pintor asturiano Francisco Antonio Meléndez (1682-1758) y María Josefa de Durazo, donde nacieron sus dos primeros hijos, ya que Francisco estaba trabajando allí en ese momento. Pero tras la cesión del Reino de Nápoles a Austria en 1713 por el tratado de Utrecht, la familia decidió volver a España y llegó a Madrid el 19 de octubre de 1717. Ana se formó en el taller paterno junto a sus dos hermanos, el bodegonista Luis Egidio (1716-1780) y José Agustín (1724-1798), el padre de Francisca Meléndez (1770-1825), que también fue miniaturista. En 1759 realizó una miniatura con los retratos del rey Fernando VI (1713-1759) y la reina consorte Bárbara de Braganza (1711-1758), con la que consiguió el logro de ser admitida como académica supernumeraria en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando el 2 de septiembre de ese mismo año. Tras su ingreso en dicha institución, Ana entregó al recién coronado rey Carlos III (1716-1788) un lujoso álbum de 24 miniaturas pintadas al temple y aguada sobre pergamino, firmadas con su nombre en letras de oro que realizó entre 1740 y 1750 y que representan escenas de El Quijote. Doce de estas pinturas se conservan hoy en el Museo de Bellas Artes de Asturias desde 2001 y están consideradas uno de los conjuntos más importantes dentro de la miniatura española del siglo XVIII. Seis de ellas se exhibieron en una exposición en Madrid sobre tres mitos de la literatura española: La Celestina, El Quijote y Don Juan. El historiador y crítico de arte Ceán Bermúdez (1749-1829) nombra a Ana Meléndez de Durazo en su Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las bellas artes en España publicado en seis tomos en Madrid en 1800.

Perteneciente a una familia de artistas de fama y larga tradición con la que se formó y trabajó en sus inicios, especializándose en la realización de retratos en miniatura con la técnica mixta de gouache y acuarelas sobre marfil aprendida de su padre, José Agustín (1724-1798), con veinte años pintó una Virgen con el Niño en miniatura que firmó como «Franca Meléndez Me hizo en Madrid / Año de 1790 siendo de edad de 20 años» y que presentó a la Real Academia de San Fernando en Madrid causando admiración entre sus miembros y por lo que fue nombrada académica de mérito. Cuatro años más tarde realizó unos retratos en miniatura de la Familia Real con los que fue nombrada pintora de cámara de Carlos IV (1748-1819) el 6 de diciembre de 1794. Hay una carta fechada en Aranjuez el 26 de febrero de 1795 y firmada por Juan Francisco de Aguiló, el secretario de la reina consorte María Luisa de Parma (1751-1819), en la que solicita a la pintora a que acudiera al Real Sitio para trabajar en nuevas miniaturas. Hacia 1800, Francisca realizó una serie de 29 retratos en miniatura de diversos personajes de la corte de Carlos IV, como Manuel Godoy (1767-1851) entre otros. Esta colección fue adquirida por el Museo Meadows de Arte de Dallas, Texas, en el año 2008.

Hija de un maestro escritor, Marlié se casó a los dieciocho años con el grabador parisino François-Bernard Lépicié (1698-1755), quien le enseñó el arte del grabado, y terminaron formando un matrimonio de grabadores muy conocidos en la época. El hijo de ambos fue el pintor Nicolas Bernard Lépicié (1735-1784). Según el coleccionista de grabados de maestros antiguos, Pierre-Jean Mariette (1694-1774), Lépicié utilizó la habilidad artística de su esposa Marlié en varias de sus obras y firmó varios de sus grabados con su nombre. Renée-Élisabeth Marlié falleció en la vivienda que la familia ocupaba en el Louvre y que su marido le había dejado tras fallecer. La mayor parte de sus grabados son copias de obras realizadas por otros artistas, como por ejemplo El cocinero flamenco, de 1748, de David Teniers el Joven (1610-1690), conservado en el Instituto Holandés de Historia del Arte, y Contrato matrimonial de 1756 de Charles-André van Loo (1705-1765), que se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia. Un conjunto de cuatro preciosos grabados Los cuatro elementos, representados por niños, realizados por Marlié perteneció a la colección del conde Octave de Béhague (1827-1879), una colección que se dispersó en 1877, cuando los cuatro grabados fueron adquiridos en subasta por el coleccionista de arte Louis Galichon (1829-1875), este los vendió en 1895 y hoy se encuentran en la galería parisina Sarah Sauvin, especializada en grabados.

Hija de un notario de Pordenone, con cinco años la llevaron a Gorizia a casa de su tío, el artista Antonio Dall’Agata (ca. 1619-1739), con quien comenzó a dibujar alrededor de 1724. Dall’Agata era un viejo amigo de la pintora Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1) que estaba en pleno apogeo y cuando esta lo visitó en 1728, él le presentó a su sobrina, una muchacha que se había convertido en una «joven modesta y tímida, que mostraba una singular aptitud para el arte del diseño». Ese mismo año, Felicità se trasladó a la casa de Carriera en Venecia para aprender junto al resto de aprendices del estudio. Entre ellas se encontraban las hermanas de Rosalba, Giovanna (llamada Neneta) y Angela, Margherita Terzi (pintorA n.º 148) y Marianna Carlevarijs (pintora n.º 7). La hermana de Felicità, Angioletta Sartori (de la que no tenemos más información), entró en el estudio tras la muerte de Nenetta en 1738. Parece que Felicità se convirtió rápidamente en la mejor alumna, y luego colaboradora e imitadora, lo que le dio un papel importante en el estudio de Carriera. También aprendió la técnica de tallado a buril y, en la década de 1730, recibió varios encargos, como la ilustración de Las Oeuvres del escritor Jacques-Bénigne Bossuet (1627-1704) o los retratos de los poetas italianos Gaspara Stampa (1523-1554) y Collaltino de Collalto (1523-1569). El consejero electoral de Sajonia Franz Joseph von Hoffmann (1696-1749) fue al estudio de Carrera a comprar obras para Augusto III (1696-1763), allí conoció a Sartori y se quedó impresionado por sus miniaturas, además de enamorarse de ella. Así, Hoffmann invitó a la joven artista veneciana a la corte sajona el 16 de mayo de 1741 y solo tres semanas después, a finales de julio, Hoffmann y Sartori se casaron. Hoffmann se convirtió en su mecenas, pero, tras su muerte, la situación económica de Felicià se deterioró y a partir de entonces no se sabe con certeza qué derroteros tomó su vida: algunos sugieren que se volvió a casar y se mudó a la ciudad alemana de Bamberg, mientras que otros creen que todavía estaba en 1753 en Dresde, ciudad donde murió en 1760. Felicità Sartori trabajó tanto el aguafuerte como el pastel y el óleo, pero sus obras más reconocidas fueron sus miniaturas y las copias de los pasteles de Carriera, porque en los siglos XVIII y XIX se daba mucho valor a la reproducción fiel de obras de grandes maestros.

En Dresde se conservan 19 miniaturas datadas en el tiempo que la pintora pasó en la ciudad, quince de las cuales, conservadas en la Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos de Dresde, documentan su actividad como pintora de la corte sajona, que fue recompensada con seiscientos táleros al año desde el momento de su nombramiento en 1740.

De su estrecha relación «madre-hija» con Rosalba Carriera conservamos numerosas cartas que atestiguan su amistad incluso tras la marcha de Venecia de Felicità. Rosalba legó en su testamento a su alumna cien ducados de oro, que recibió después de su muerte en 1757. En la Galería Uffizi, se encuentra un retrato de Sartori realizado hacia 1740 por Carriera. Y en la Galería Nacional de Arte de Washington se conserva Alegoría de la pintura de Rosalba Carriera que muy probablemente sea un retrato de la joven Felicità.

De familia burguesa parisina, hija de Jean-Baptiste Buzeau y su esposa Marie-Anne de Sédeville, en su adolescencia posó como modelo para varios pintores famosos, como Maurice Quentin De La Tour (1704-1788) o Alexander Roslin (1718-1793). Con quince años fue modelo para el personaje de Armida del cuadro Rinaldo y Armida, obra de uno de los mayores exponentes de la pintura rococó francesa, François Boucher (1703-1770). Esta fue la pintura que Boucher presentó para entrar en la Real Academia de Pintura y Escultura de Francia. Dos años más tarde, el 21 de abril de 1733, se casaron y tuvieron un hijo, Juste-Nathan (1736-1782) que fue arquitecto y pintor, y dos hijas, Marie-Émilie (1740-1784) y Jeanne-Élisabeth Victoire (1735-??), ambas casadas en una ceremonia conjunta con los pintores Pierre-Antoine Baudouin (1723-1769) y Jean-Baptiste-Henri Deshays (1729-1765). Marie-Jeanne trabajó con su marido, grabó sus dibujos y reprodujo en miniatura varios de sus cuadros que obtuvieron cierto reconocimiento porque, por ejemplo, ocho de estas pequeñas obras fueron mencionadas en el catálogo del pintor Joseph Aved de 1766. Sin embargo y como viene siendo habitual, varias de sus obras habían sido atribuidas a su marido y, todavía en el siglo XIX, así seguía sucediendo, según comentaron los hermanos escritores decimonónicos Edmond Huot de Goncourt (1822-1896) y Jules Goncourt (1830-1870). También, según los Goncourt, la plancha Dos campesinos que duermen fue realizada por la artista sobre una obra de su marido; en ella se lee «Uxor ejus sculpsit» (Su esposa lo ha grabado). Además, realizó y firmó dos aguafuertes de la selección de los Principios y estudios de dibujo de Abraham de Bloemaert (1566-1651), publicado en 1735, y expuso varios retratos y miniaturas en el Salón de la Correspondencia creado por el periodista Pahin de la Blancherie (1752-1811) en 1779.

Hija del matrimonio de carniceros parisinos Denis Josset y Marguerite Noiseux, Marguerite fue bautizada en Saint-Nicolas-des-Champs. No sabemos nada de su infancia hasta que en 1735, con dieciocho años, se casó con el fiscal Jacques-Roger Le Comte (1707-??) y se instaló en la rue Saint-Honoré, cerca del Palacio Real, y el 24 de diciembre de 1739 nacería su hijo Louis-Victoire. En algún momento de este período Marguerite comenzó a pintar con pastel y aguatinta. En febrero de 1746, su esposo tuvo una reunión de negocios con Claude-Henri Watelet (1718-1786), un poeta miembro de la Academia Francesa, y entonces conoció a Marguerite que tenía la misma edad. Fue entonces cuando ella empezó a darle clases de aguatinta, se enamoraron y comenzaron una relación ménage à trois junto a su esposo que duró cuarenta años. El trío se trasladó por temporadas al Moulin-Joly de Colombes, una población situada en la región de Mediodía-Pirineos, donde muy pronto se instaló un grupo de artistas. Los Le Comte habían comprado la propiedad en 1750, pero fue Watelet quien pagó la finca y las reparaciones precisas.

El libro de Watelet sobre el arte de pintar, L’art de peindre, de 1760, fue ilustrado por Marguerite Le Comte, que acompañó al pintor en su viaje a Italia de 1763 a 1764, mientras Jacques-Roger Le Comte se quedaba en París. Durante este viaje, Marguerite hizo amistad con la princesa Agnese Colonna Borghese (1702-1780), y con el cardenal Alessandro Albani (1692-1779), de quien hizo un retrato en 1764. Marguerite Le Comte fue nombrada miembro de las academias de Roma, Florencia, Parma y Bolonia. A su regreso de Italia en 1765, la artista imprimió Suite de papillons, una serie de 25 grabados de mariposas en doce tablas, que más tarde pintó con pastel y regaló a sus amigos. Watelet recibió un apartamento en el Louvre por parte del rey, donde el trío se mudó, aunque mantuvieron la casa de Moulin-Joly como residencia de campo, donde en 1774 acogieron a Luis XVI y María Antonieta de Austria. Los dos amantes volvieron a viajar a Roma, donde vivieron en Villa Medici hasta su vuelta en 1786. Ese mismo año, Claude-Henri Watelet murió el 12 de enero en el Louvre, donde también falleció Jacques-Roger Le Comte el 2 de enero de 1789. Marguerite murió el 22 de enero de 1800 en la rue Neuve Saint-Paul, ahora rue Charles V, en París.

El 20 de junio de 2006, una copia completa de su obra Suite de papillons encuadernada en piel de ternero, con cubierta decorada dorada y roja, se vendió por diez mil euros. Aparte de esta, solo hay otra copia conocida que se conserva en la Biblioteca Nacional de París. En el Museo Victoria and Albert de Londres se conserva un busto en bronce de Marguerite Le Comte, creado en 1750 por el escultor Guillaume Coustou el joven (1716-1777). Un grabado de Watelet sobre un dibujo de Étienne de La Vallée Poussin (1735-1802) que representa a Marguerite Le Comte sentada en una mesa, durante su visita a Roma en 1764, se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

¡¡BIO DE PELI!!

Hija de Nicolás Salzillo (1672-1727), un escultor italiano procedente de Santa Maria Capua Vetere que entre 1697 y 1699 se afincó en la ciudad de Murcia, se casó con Isabel Alcaraz (1679-1745) y abrió un próspero taller de imaginería religiosa en el centro de la ciudad. El matrimonio tuvo cuatro hijos: Francisco (1707-1783), José (1710-1744), Patricio (1722-1800) e Inés. Nicolás enseñó a sus hijos el oficio de la creación de la imaginería religiosa en la casa-taller y todos trabajaron conjuntamente colaborando en el negocio familiar. Cuando el padre falleció, Inés solo tenía diez años y fue entonces cuando su hermano mayor, Francisco, se hizo cargo de la dirección del taller, y terminó siendo considerado uno de los más grandes y representativos escultores del imaginero barroco español. De su hermano mayor, Inés y sus otros dos hermanos aprendieron a dibujar y a modelar en arcilla, pero ella terminó especializándose en el arte de la policromía, el estofado y el dorado de tallas de madera que Francisco realizaba. Inés trabajó junto a su hermano Francisco en el taller familiar durante casi veinte años, donde se dedicó a la policromía completa de las imágenes. Su trabajo consistía en diseñar y dar color a los ropajes de las tallas, que muchas veces incluían dorados o patrones de estofados con pan de oro, y también realizaba las carnaciones. Fue considerada una profesional de las más sobresalientes en la técnica del dorado y el estofado. Según distintos autores, Inés también fue modelo de varias esculturas de Francisco. Sin embargo, en diciembre de 1748 abandonó su trabajo al contraer matrimonio con el procurador Francisco García Comendador, y, como era costumbre en su época, se dedicó a las labores domésticas y familiares hasta que falleció y fue enterrada en el convento de las capuchinas de Murcia.

Casada con el pastelista Ferdinando Messini, conocido como Messinia, Giovanna Tacconi fue una pintora florentina que trabajó como copista pintando al óleo y al fresco, pero sobre todo fueron sus retratos realizados al pastel los que le dieron la fama. En sus obras mostró tal talento que sus contemporáneos compararon su trabajo con el de Rembrandt (1606-1669) y el de Jacob Jordaens (1593-1678), y sus copias de obras de Rafael (1483-1520) y Tiziano (ca. 1488/1490-1576) fueron muy cotizadas en su época, particularmente entre los turistas ingleses del Grand Tour.

Giovanna fue mencionada en una carta fechada en 1735 del diplomático, pintor, coleccionista de arte y biógrafo de artistas florentino Francesco Maria Niccolò Gabburri (1676-1742), dirigida a Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1). En ella se habla de que Rosalba ha obtenido un suministro de pasteles de París que compartirá con ella. Ese mismo año Gabburri vuelve a escribir:

«Francesco Landi también ha retomado a Signora Messini, y ambos apelan a Rosalba para que mire dos muestras de su obra. Ella copiará el retrato de Rosalba de Gabburri y Landi le prestará algunos de sus preciados crayones.»

Tras su muerte, su esposo erigió un monumento en su honor en la iglesia de La Santísima Anunciación en Florencia, con una inscripción en latín que confirma que murió en 1742 a los veintiséis años.

Perteneciente a una numerosa familia de Hampshire, Harriet fue la más joven de las niñas entre once hermanos, hijos del abogado Edward Lisle (ca. 1665-1722) y su esposa Mary Phillipps (1676-ca. 1750). Desconocemos cómo se formó, pero desde niña mostró poseer grandes dotes para la pintura y sobre todo una enorme creatividad e imaginación. El estilo pictórico de Harriet estuvo influenciado por el pintor y miembro fundador de la Real Academia, William Hoare (1707-1792). Realizó varios pasteles que copiaban retratos de antiguos maestros y personajes de renombre, de los que se sabe que existen al menos tres porque fueron adquiridos por el aristócrata inglés George Herbert (1866-1923), conocido como lord Carnarvon, el mecenas que financió la excavación de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes. Hoy dos de estos pasteles se conservan en el castillo de Highclere, casa de campo de la familia Herbert en Hampshire (Inglaterra). Se trata de dos copias de retratos de sir Richard y lady Kingsmill, enmarcados en unos extraordinarios marcos de conchas. Otra de las obras se encuentra en la casa de campo Wilton House, en Wiltshire. También se dice que Lisle pintó retratos en algunos árboles de su terreno de tal manera que las personas representadas parecían ser parte de los propios árboles. Junto a sus hermanas, creó en su casa una gruta de conchas que fue celebrada en verso por Alexander Pope (1688-1744) y Nicholas Herbert (ca. 1706-1775).

Comenzó como aprendiz de pintura en la escuela que Giovanna Fratellini (ver PintorAs vol. 1) regentaba en Florencia. Más tarde fue alumna en el taller del pintor y grabador Giovanni Domenico Campiglia (1692-1768), donde se especializó en retratos en miniatura, un género muy demandado en la época, pero cuyas obras no se solían firmar, lo que hoy en día dificulta su atribución. Sabemos que se casó en 1742 con Giuseppe Baldacci, del que tomó su apellido y por el que es conocida. Entre los retratos en miniatura que realizó, hay uno de la emperatriz María Teresa de Austria (1717-1780). Con respecto a un autorretrato que pintó en 1737, el abad Orazio Marrini escribió:

«Todavía conservo su propio retrato en pastel en mi colección y lo convertí en la distinguida estima que esta virtuosa niña merece con razón.»

Ese mismo año, Baldacci pintó un autorretrato en óleo sobre lienzo en el que se representó a sí misma vestida con una rica túnica y con los útiles de su profesión en la mano. Esta obra, que se conserva en la Galería Uffizi, proviene de la colección de Antonio Pazzi y fue comprada por las Galerías Florentinas en 1768. El pintor y grabador Pietro Antonio Pazzi (1706-1770) realizó un grabado de este autorretrato, que forma parte de la Colección de 324 retratos de excelentes artistas, publicada entre 1790 y 1796, y que hoy se encuentra en la Villa Confalonieri, en la ciudad italiana de Merate.

De familia de artistas, tanto su abuelo materno como su padre fueron pintores de la corte de Weimar, y su hermano fue el famoso pintor Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712-1774). Maria Dorothea recibió lecciones de pintura de Johann Heinrich Tischbein el Viejo (1722-1789) y estudió en la Academia de Arte de Kassel entre 1776 y 1782. Se casó con el pintor de porcelana Johann Jakob Wagner y continuó trabajando después de su matrimonio. El hijo de ambos fue el paisajista Johann Georg Wagner (1744-1767). La obra de Maria Dorothea muestra paisajes de Sajonia, con algunas figuras de ámbito rural en los que suelen aparecer ruinas, cascadas y árboles dentro de una atmósfera romántica. Al igual que su hermano, ella se basó en los maestros holandeses del siglo XVII, y sus trabajos fueron grabados posteriormente. Mucho después de su muerte, sus dibujos en sepia o gouache fueron utilizados como modelos para estudiantes en la escuela de dibujo en Meissen y en la academia, en Weimar.

En el Museo Städel, en Fráncfort, se conservan dos de sus paisajes firmados respectivamente como «Wagner in f. ne D» y «Wagner Ditrig fe.», obras que fueron adquiridas en 1817 de la colección de Johann Georg Grambs (1756-1817). Junto a Johanna Marianne Freystein (pintorA n.º 191), fue una de las únicas pintoras de paisaje sajonas, y Wagner una de las pocas artistas femeninas comercialmente exitosas del siglo XVIII, siendo reconocida entre sus colegas masculinos.

Perteneciente a una familia de artistas, su abuelo fue el pintor francés Jean Le Gru (ca. 1620-??), su padre, Stefano Le Gru, fue retratista veneciano (ca. 1663-??), y sus hermanos Giuseppe, Tommaso y Lodovico también fueron pintores. Tras una formación inicial en el seno de su familia, se trasladó a Venecia, donde fue alumna de Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1) en su taller, donde permaneció durante nueve años y, al igual que su maestra, trabajó principalmente el retrato en pastel. En Venecia se casó con el pintor Pietro Antonio Perotti (1712-1793), con quien tuvo una hija, Anna Maria, nacida hacia 1759. En 1768 la familia se trasladó a Londres, donde ambos artistas expusieron en la Real Academia. Angelica presentó al menos cinco retratos al pastel entre 1772 y 1775. También trabajó al óleo, realizando en 1771 una serie de retratos de la familia del duque de Atholl. Falleció en Londres y fue enterrada en la iglesia parroquia St. Pancras Old Church el 3 de septiembre de 1776. Su viudo y su hija (que había sido formada para pintar, pero abandonó el arte) regresaron a Italia. En 1967, Sotheby’s vendió una de las seis copias de pinturas religiosas de maestros antiguos realizadas por Angelica al pastel que habían pertenecido a la colección del duque de Badminton.

Desconocemos sus datos biográficos, salvo que a los dieciséis años fue admitida en la Academia de Diseño de Florencia, algo totalmente inusual, puesto que esta institución solo admitía a artistas en pleno desarrollo de su carrera y generalmente hombres, razón por la que cabe suponer su gran habilidad artística. De hecho, Francesco Maria Niccolò Gabburri (1675-1742), diplomático, coleccionista de arte, pintor, biógrafo de artistas y director de la academia desde 1730, escribió sobre el talento de Ferroni:

«Ingeniosa y respetable jovencita, después de un profundo y cuidadoso estudio del dibujo, ahora, en 1740, a sus veinte años, está aprendiendo a pintar retratos y escenas históricas usando pintura al óleo y pasteles. Su talento es más evidente cuando pinta escenas de su propia composición con pinturas al óleo, un medio en el que también es experta en la mezcla de colores. Entonces tiene motivos para esperar que, con el tiempo, mejorará cada vez más en la pintura, especialmente porque es muy enamorada del arte que nunca se cansa de mejorar su técnica.»

Además de los maestros de la academia, Ferroni aprendió con importantes artistas como Violante Beatrice Siriès Cerroti (pintorA n.º 18), Giovanni Domenico Ferretti (1692-1768) y Vincenzo Meucci (1694-1766). A mediados del siglo XVIII, el Hospital de San Juan de Dios de Florencia fue reformado y Violante Ferroni fue una de las artistas elegidas para decorar los dos laterales de la escalera del nuevo atrio. Para este prestigioso encargo público, Ferroni realizó dos pinturas ovaladas de casi dos metros y medio por noventa centímetros que eran lo primero que los pacientes veían al entrar en el hospital. Los temas eran San Juan de Dios da pan a los pobres y San Juan de Dios cura a las víctimas de la peste y representan el objetivo de la orden de cuidar a los enfermos y ayudar a los pobres.

En 2019, la organización estadounidense Advancing Women Artists (AWA), con sede en Florencia, seleccionó las dos pinturas ovaladas de Ferroni para su investigación y restauración, llevada a cabo por las conservadoras Elizabeth Wicks y Marina Vincenti, y completada en 2021. Además, descubrieron la firma de Ferroni en una de las pinturas, un emocionante hallazgo, ya que los artistas del momento no solían firmar sus pinturas. Violante Ferroni realizó muchas otras pinturas que ahora se han perdido, pero quizás nuevas investigaciones logren descubrir más obras de esta gran pintora.

Hija del platero Gustaf Stafhell (1683-1761) y su esposa Catharina Olofsdotter Beckman. Sus hermanos Gustaf Andreas (1725-1772) y Andreas (1730-1794) también se dedicaron a trabajar la plata, pero desconocemos a qué se dedicó el resto de sus hermanos, Olof (1728-1797), Catharina Christina (1722-1765) y Anna Maria (1732-??). Sus primas, Ulrika Fredrica Pasch (pintorA n.º 76) y Hedvig Lovisa Pasch (pintorA n.º 77), también fueron artistas.

Se dedicó al grabado y a la calcografía de escenas bíblicas y a hacer copias de obras de otros artistas. Entre sus trabajos calcográficos se encontraban copias de una obra de Martin Desjardins (1637-1694) a partir de una versión del grabador Gérard Edelinck (1640-1707) y del pintor rossellonés Jacint Rigau-Ros i Serra (1659-1743). Estuvo activa en su profesión toda su vida a pesar de casarse en dos ocasiones, la primera, en 1744, con el comerciante de especias Johan Gabriel Meijer (ca. 1715-a. 1758), con quien tuvo un hijo. En 1759 se casó por segunda vez.

No hay mucha información sobre sus inicios, pero sabemos que fue alumna de los pintores florentinos Francesco Conti (1681-1760) y Violante Beatrice Siriès Cerroti (pintorA n.º 18). Y que Francesco Maria Niccolò Gabburri (1675-1742), coleccionista de arte, pintor, biógrafo de artistas y director de la academia desde 1730, la describió así en sus Vidas de pintores:

«Esta niña muy ingeniosa vive en Florencia en el presente año de 1739 y bajo la dirección del caballero Francesco Conti trabaja maravillosamente en retratos y otras cosas que asombran a cualquiera que vea sus pinturas. Por su mérito, fue inscrita entre los académicos de San Luca en Florencia y, a medida que progresa día a día en valor y perfección, hay razones para esperar que en poco tiempo pueda ser una segunda Rosalba.»

Refiriéndose a Rosalba Carriera

En 1741 se casó con Gaetano Piattoli (1700-1790) y tuvieron dos hijos, Giuseppe, también pintor, y Scipione, que se convirtió en sacerdote. Su trabajo fue muy apreciado por los grandes duques de Toscana y otros clientes y esto le garantizó buenos ingresos por sus obras. A pesar de una vida continua de trabajo, se conserva muy poco de su pintura, repartida hoy en diferentes museos y conventos de Florencia, con varias de sus obras pendientes de restauración.

De familia acomodada, marquesa de Pompadour y duquesa de Menars, se casó con el financiero Carlos Guillermo Le Normant d’Étiolles (1717-1799) en 1741 y, a finales de ese año, nació su primer hijo, que murió prematuramente. En 1744 nació Alexandrina, su segunda hija, que fallecería de apendicitis con diez años. Frecuentando los círculos aristocráticos parisinos conoció al monarca Luis XV y se convirtió en su amante durante seis años a partir de 1745. Tras divorciarse de su marido, se trasladó al Palacio Real de Versalles, donde adquirió una considerable influencia política, incluso después de 1751, cuando dejó de ser la amante del rey. Supervisó nuevos proyectos de construcción y se convirtió en mecenas de las artes. Junto a su hermano Abel-François Poisson de Vandières, marqués de Marigny, desarrolló la Escuela de Roma y la institución de los grandes premios de pintura y arquitectura y propició la primera exposición de pinturas en el Louvre en 1758. Fundó la fábrica de porcelana de Sèvres, hasta entonces la porcelana de Francia imitaba la japonesa y la sajona. De su faceta como pintora sabemos que su maestro fue el pintor y grabador Charles-Nicolas Cochin el Joven (1715-1790), aunque desgraciadamente solo se conservan unos pocos de sus dibujos. También aprendió la técnica del grabado, donde demostró mucha habilidad trabajando sobre cobre y piedra fina. Sus obras representan niños, animales, escenas mitológicas, escenas sobre acontecimientos, como la alianza entre Francia y Austria, y retratos de la Familia Real. Como ejemplos, grabó en un topacio indio el Templo de la Amistad, el sello del rey en una esmeralda, y los retratos del delfín y la delfina en cornalina. Murió de tuberculosis en Versalles en 1764, a los cuarenta y dos años.

Una de los trece hijos del matrimonio acomodado de Forfarshire formado por Alexander y Elizabeth Read. Tras la rebelión jacobita de 1745, la familia se mudó a París, donde Catherine recibió clases de pintura de los pintores Maurice Quentin de La Tour (1704-788) y Louis-Gabriel Blanchet (1705-1772). En 1750 huyó a Roma junto con la mayoría de los jacobitas refugiados en París. Allí, el cardenal Albani, un importante coleccionista y mecenas de arte al que Read retrató, le permitió copiar algunos de los retratos que poseía de Rosalba Carriera (ver PintorAs vol. 1). En 1754 se estableció en Londres, donde montó su propio estudio que se puso muy de moda realizando retratos de damas y niños de la aristocracia en óleos y pasteles. Uno de sus mejores cuadros es el Retrato de lady Georgiana Spencer, tía tatarabuela de Diana, princesa de Gales. Muchos de sus retratos fueron grabados por Valentine Green (1739-1813) y James Watson (1740-1790). Algunas obras de Read se han atribuido alguna vez al pintor Joshua Reynolds (1723-1792). El talento artístico de Read fue muy apreciado en su época, siendo citada por famosos escritores del momento, como el escritor inglés William Hayley (1745-1820) y el poeta escocés Tobias Smollett (1721-1771). Entre 1760 y 1772 expuso sus obras en la Free Society y en la Sociedad de Artistas de Gran Bretaña, de la que se convirtió en miembro honoraria en 1769 junto con Mary Black (pintorA n.º 89) gracias a la petición realizada por la Real Academia de Artes fundada un año antes y a instancias de dos de sus miembros fundadores Angelica Kauffmann (pintorA n.º 101) y Mary Moser (pintorA n.º 113). Catherine Read viajó a la India acompañada de su sobrina Helena Beatson para pintar los retratos de los oficiales ingleses que vivían allí y falleció el 15 de diciembre de 1778 cuando estaba en altamar, cerca de la ciudad de Madrás.

Sobrina y alumna de Catherine Read, quien la retrató en al menos dos ocasiones. En 1771 hizo su presentación anónima a la Sociedad de Artistas con «bocetos de una niña de ocho años» que fueron señalados como «maravillosos» por Horace Walpole (1717-1797), quien identificó a la artista como una «sobrina de miss Reade». El número 12 de The Charleston Gazette, de Carolina del Sur, publicada en 1772, anunció:

«Una dama, que es sobrina de la retratista de su majestad, la célebre señorita Read, llegó aquí hace unos días y fue instruida por ella en el arte de pintar retratos al pastel, de los cuales pretende seguir realizando aquí.»

En 1774 se exhibieron en la Real Academia dos dibujos de gitanos y bailarinas «diseñados por miss Beatson, de once años», y al año siguiente se expusieron en la Sociedad de Artistas. En 1777, mientras estaba en la India acompañando a su tía Catherine Read, se casó con sir Charles Oakeley, primer baronet, más tarde gobernador de Madrás. Al año siguiente dio a luz a su hijo y parece que desde entonces abandonó la pintura. Helena Beatson falleció en el palacio de Lichfield, en Staffordshire, Inglaterra.

Hija de Johan Ross el Viejo (1695-1773), pintor del condado alemán de Holstein. En 1744 se casó con el pintor Michael Carowsky (1707-1745), con el que tuvo una hija al año siguiente, Christina Elisabeth. Ese mismo año de 1745, Maria quedó viuda y se hizo cargo del estudio de su marido, donde ganó gran importancia como supervisora de la educación de muchos estudiantes de arte. Al igual que su padre y su esposo, Maria se dedicó a la pintura de iglesias y fue contratada como decoradora de la catedral de Gotemburgo desde la década de 1750 hasta la de 1770. También es conocida como la artista detrás del púlpito en la iglesia de la localidad sueca de Lerum. En 1781 se afirma que:

«Carowsky, que ya había sido contratada durante años para trabajos de pintura en la iglesia (la iglesia alemana en Gotemburgo), pintó la galería superior en la parte superior de la torre, en ambos lados, tres veces...»

Hija de Maria Carowsky y Michael Carowsky, se formó bajo la tutela de su madre en su taller y se convirtió en una notable pintora de retratos en Gotemburgo. El 27 de mayo de 1787 se casó con Engelbert Jörlin (1733-1810), botánico y director de la escuela primaria de dicha ciudad, pero no sabemos nada más ni de su vida ni de su obra.

Fue hija y hermana, respectivamente, de los pintores Bartolomeo Nazari (1699-1758) y Nazario Nazari (ca. 1726-1793). Los pocos datos biográficos que tenemos de ella se deducen de un libro de Ilustres mujeres italianas de los siglos XIII al XIX. Formada en la escuela de su padre, comenzó realizando copias de sus obras en óleo y pastel, tanto de tema religioso como de retratos. Un noble veneciano le hizo el encargo de pintar una serie de retratos de gobernantes europeos en pastel. Se le atribuye un lienzo en forma de media luna (4,40x1,80 cm) que se encuentra en la iglesia de Santa Ana en Clusone, un pueblo de la provincia de Bérgamo, y que representa la Cena de Emaús. Pintó un Redentor y un San Bernardo, quizás para un monasterio en Trieste.

Hija del alcalde de Haarlem, Cornelis Ascanius van Sypesteyn (1694-1744) y su esposa Maria de Lange (1696-1744). Maria vivió en un ambiente artístico e intelectual gracias a los contactos y las aficiones de su padre, que sentía especial atracción por las antigüedades, los estudios genealógicos y que tenía una gran biblioteca y coleccionaba monedas y objetos similares. Como alcalde, su padre regentaba el Proveniershuis de Haarlem (patio con casas de beneficencia), donde residía la pintora de miniaturas Henriëtta van Pee (ver PintorAs vol. 1) con la que María aprendió a pintar en miniatura sobre marfil. El 9 de julio de 1743, con diecinueve años, Maria contrajo matrimonio en La Haya con Pieter van Schuylenburch (1714-1764), aunque la pareja vivió en Haarlem, donde su marido llegaría a ser alcalde de la ciudad. En 1764 se quedó viuda y se volvió a casar en 1767 con David van Lennep, quien contrató al pintor decorativo Jurriaan Andriessen (1742-1819) para pintar las paredes de Huis te Manpad, la casa de verano del matrimonio, en Heemstede. Es en esta ciudad donde Maria Sypesteyn falleció y allí fue enterrada en la iglesia de San Bavón. Considerada una pintora en miniatura de gran talento, solo un pequeño número de sus miniaturas se le atribuyen a sus manos, entre ellas, un autorretrato. Varios de sus trabajos siguen perteneciendo a la colección familiar ubicada en el castillo Sypesteyn. El retrato que realizó de su hermano se encuentra en el Museo Van Gijn, en Dordrecht. En la gran exposición de retratos en miniatura, organizada por el Rotterdamsche Kunstkring en 1910 en Rotterdam, se exhibió un retrato de un caballero en acuarela sobre marfil pintado por Maria Machteld van Sypesteyn.

De familia luterana, hija mayor e ilegítima de Ismael Mengs, el pintor danés de la corte de los reyes y electores polaco-sajones, y fruto de la relación extramatrimonial con su ama de llaves, Charlotte Bormann. Su padre se esforzó por ocultar su nacimiento y Therese nació en Bohemia en unas «vacaciones»; tres años después hizo lo mismo para ocultar el nacimiento de su hermano, Anton Raphael.

En 1741 la familia Mengs se mudó a Roma, donde abrieron un taller en el que Therese comenzó a trabajar con dieciséis años como pintora miniaturista especializada en esmaltes y pasteles. También se dedicó a enseñar técnicas pictóricas a sus alumnas, entre las que se encontraban Apollonia Seydelmann (pintorA n.º 232), Sofia Clerc (pintorA n.º 313) y su sobrina Sofia Giordano.

Como pintora de corte en Dresde, María Josefa de Austria (1699-1757), electora consorte de Sajonia, le encargó realizar una serie de copias en miniatura de las pinturas de Correggio El Día y La Noche, que se conservan en el Museo de Dresde. En 1746 la familia Mengs viaja por primera vez a Italia y visita Parma, Venecia, Bolonia y Roma, ciudad en la que su hermano contrae matrimonio. En 1751 están todos de vuelta en Dresde, donde el padre administra las pensiones de toda la familia. Al año siguiente vuelven definitivamente a Roma, esta vez sin su padre, donde Anton es nombrado académico de la Academia de San Lucas. En 1765, Therese se casó con Anton von Maron (1733-1808), un retratista austríaco, alumno de su hermano Anton Raphael. Al año siguiente, el matrimonio entró en la Academia de San Lucas al mismo tiempo, pero, a pesar de que debían entregar una pieza de recepción, ahí no se conserva ninguna obra de Therese. En esos años conoció, entre otros personajes, a Angelica Kauffmann (pintorA n.º 101) y a Maria Cecilia Cosway (pintorA n.º 192).

Therese destacó por sus obras en esmaltes, pasteles y miniaturas, y sus obras se reparten en diferentes colecciones. En el Museo Herzog Anton Ulrich de Bronswiek, en la Baja Sajonia, se encuentra un retrato de ella realizado por su esposo cerca de 1789.

Hermana menor de Therese y Anton Raphael Mengs. Igual que ellos, también tuvo una carrera como pintora miniaturista en la corte, aunque esta fue breve porque en 1765 ingresó en el convento Belvedere de Ancona, tomando el nombre de sor Maria Speranda. Ahí siguió pintando y, aunque ninguna de sus obras parece haber sobrevivido, se ha sugerido que un retrato en pastel de ella, tradicionalmente atribuido a su hermana, es un autorretrato de Julia. Murió en el convento después de 1806.

Discípula de su padre Anton Raphael Mengs y de su tía Therese, con siete años, Anna Maria Teresa Mengs ya destacó por su capacidad para el dibujo y el tratamiento del color. En 1761 su padre Anton Raphael Mengs fue llamado a trabajar para la corte de Carlos III y toda la familia se trasladó a Madrid. De esta época es el Autorretrato que realizó en 1769 y que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid. En 1778 Anna Maria se casó en Roma con el grabador español Manuel Salvador Carmona (1734-1820), miembro de la Real Academia de París y de la Academia de Madrid, donde dirigía la sección de grabado. Se instalaron en Madrid y tuvieron siete hijos, pero, a pesar de ello, Anna Maria llegó a ser célebre por sus retratos al pastel. Fue nombrada pintora de cámara del infante don Luis. El 29 de agosto de 1790 fue nombrada académica de honor y de mérito de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde se conservan algunos de sus retratos, entre ellos, uno de su esposo. Entre sus obras existen dos versiones al pastel del autorretrato de su padre, una de ellas conservada en el Museo del Prado.

Siendo la miniaturista más brillante de la segunda mitad del siglo XVIII en España, además de retratos, su obra incluye paisajes y miniaturas. A su temprana muerte fue enterrada en la iglesia de San Sebastián de Madrid. En 1793, para conmemorar el primer aniversario de su muerte, la Academia de San Fernando presentó una exposición de su trabajo. En 1800, Juan Agustín Ceán Bermúdez, en su Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España, escribió sobre ella:

«Trasladada a Madrid, aunque se le aumentaron los estorbos con siete partos y con la crianza y educación de los hijos, no dejó de pintar en miniatura y pastel con buen gusto e inteligencia.»

De familia aristocrática, la mayor de doce hermanos nacidos del matrimonio formado por el capitán de la Marina Real y miembro del Parlamento, Francis Blake Delaval (1692-1752) y su esposa Rhoda Apreece, heredera de la mansión isabelina Doddington Hall, en el condado de Lincolnshire. El 23 de mayo de 1751, Rhoda se casó con el político miembro de la Cámara de los Comunes desde 1768 hasta 1790, Edward Astley (1729-1802), con quien tuvo cuatro hijos. Entre 1744 y 1750, fue alumna del pintor y grabador inglés Arthur Pond (1705-1758), quien la retrató alrededor de 1750. Se le encargó pintar retratos de sus hermanas y hermanos por un total de trescientas libras aproximadamente (lo equivalente a 48.251 libras en 2020) que hoy forma parte del National Trust, la Fundación Nacional para los Lugares de Interés Histórico o de Belleza Natural, en Reino Unido. En la National Portrait Gallery se conserva un dibujo en pastel de la artista. El álbum British School II, cuyo autor describe los orígenes de la Real Academia, contiene impresiones publicadas entre 1713 y 1810, entre las que se encuentra un autorretrato de Rhoda Delaval Astley. En 1756 fue retratada por Joshua Reynolds (1723-1792). James MacArdell (ca. 1729-1765) realizó un grabado de su autorretrato.

Murió tras el nacimiento de su cuarto hijo y fue enterrada el 21 de octubre de 1757 en Widcombe, distrito de la ciudad de Bath, en una iglesia cerca de su mansión de Seaton Delaval Hall.

Hoy propiedad de la National Trust

Nacida del matrimonio formado por Anna Dorothea Ilsøe y el pintor Jacob Fosie (1679-1763), profesor de dibujo de la Academia Naval de Cadetes. Johanna Marie y sus hermanos Michael y Elisabeth aprendieron pintura y dibujo con su padre en la casa familiar, convertida en una escuela privada de dibujo y que después fue el primer salón artístico de Dinamarca al que acudían escultores, poetas, escritores y pintores como el retratista danés Johan Hörner (1711-1763), del que Johanna recibió gran influencia y del que copió dos pinturas interiores que mostraban la vida hogareña de Hörner, hoy perdidas. En el salón de sus padres se convirtió en una artista célebre y formó parte de círculos influyentes. Johanna aprendió a grabar y a pintar en gouache y acuarela y era la más talentosa de los hermanos, por eso, con solo quince años, firmó y publicó ilustraciones en el libro sobre dibujo y técnicas gráficas de su padre titulado Trapos de doctrina y publicado en 1741. También representó paisajes y diseños de naturalezas copiados de artistas holandeses del siglo XVII como David Teniers el Joven (1610-1690) o Jan Davidsz de Heem (1606-1684), y de pintores coetáneos, como Jean-Baptiste Oudry (1686-1755). En 1757 envió al rey de Dinamarca un bodegón de frutas pintado al óleo. La artista vivió en casa de sus padres hasta que se casó con el vicario Jens Eriksen Westengaard en 1758 y, aunque su actividad como artista disminuyó, su último cuaderno de bocetos demuestra que nunca dejó de pintar. Además de su actividad artística, tuvo un papel muy activo en la vida cultural del Copenhague de la época. Tuvo una producción muy extensa, de la que se conservan muchas piezas en diversos museos y colecciones.

La primera artista femenina nativa profesional en Dinamarca

Hija del imaginero y retablista marsellés Antoine Duparc (1675-1755), quien se había trasladado a Murcia, España, en 1718, por la bonanza económica de la ciudad. Allí se casó con la española Gabriela Negrela y tuvieron a Françoise, a la que bautizaron en la iglesia de San Juan Bautista. El estilo afrancesado de Antoine Duparc se puso de moda en el Levante español y a su taller de imaginería acudieron a formarse artistas como el joven Salzillo, hermano de Inés Salzillo y Alcaraz (pintorA n.º 30) y fue donde Françoise aprendió las bases del arte. Hacia 1731, la familia Duparc regresó a Marsella y, en 1742, cuando Françoise cumplió dieciséis años, inició su aprendizaje artístico junto al pintor francés Jean-Baptiste van Loo (1684-1745) en Aix-en-Provence durante un retiro por su delicada salud hasta a la muerte del maestro en 1745. Françoise desarrolló un estilo pictórico muy particular más próximo a la pintura de género del barroco español que al recargado rococó francés de Van Loo, pero aun así parece ser que era capaz de copiar a su maestro con tal perfección que hubo problemas para distinguirlos. Tras su etapa de formación, inició su etapa viajera por diversas ciudades de Europa en las que hacía largas estancias para trabajar. En esta fase es bastante difícil seguir su carrera artística, pero sí sabemos que estuvo en ciudades como París, donde visitó a una hermana, o en Londres, donde destacó como retratista y participó en dos exposiciones en los años 1763 y 1766. En 1771 se instaló en Marsella y, cinco años después, se convirtió en miembro de la Academia de Pintura y Escultura de esta ciudad y allí permaneció hasta el día de su muerte.

Las obras de Duparc se centraron en la figura humana en su vida cotidiana despojada de cualquier adorno. A su muerte dejó en su estudio 41 piezas, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Marsella y otras están repartidas en museos de todo el mundo y en colecciones privadas. En su testamento se habla de pinturas religiosas, como una Virgen con el niño o una Magdalena, pero serían necesarios más estudios para descubrir si algunas de ellas han sido atribuidas a otros pintores. Un bulevar muy importante de Marsella lleva su nombre, pero hasta principios del siglo XX no se reconoció el talento de esta gran pintora.

De origen modesto, no se pudo dedicar al estudio de la pintura hasta cumplir veinte años. Puede que aprendiera a pintar copiando obras de grandes pintores como Giambattista Tiepolo (1696-1770), entre otros. En este caso fue una Santa Teresa, probablemente pintada al óleo, que perteneció a la familia Buzzaccarini de Padua. En 1766 se escribieron unas memorias de su vida, pero poco más sabemos de ella. Entre sus obras se conocen retratos del cardenal Sante Veronese (1684-1767), del papa Clemente XIII (1693-1769) y del filólogo italiano Jacopo Facciolati (1682-1769). A su muerte, Maria Domenica Scanferla fue enterrada en la iglesia de Santo Spirito, en Padua, donde se levantó un memorial en su honor.

Desconocemos la fecha del fallecimiento de Eleonora Monti, pero su autobiografía está fechada el 17 de abril de 1773, así es que su datación tiene que ser después. Hija y discípula del pintor Francesco Monti (1685-1768) y Teresa Marchioni, parece que Eleonora pudo haber nacido en Bolonia porque su padre estaba allí activo en la década de 1720. La propia Eleonora cuenta en su autobiografía que desde que era niña:

«siempre me hizo garabatear figuras con carboncillo en el suelo y en la pared, y a veces sobre el papel con esta inclinación y gusto, que me implicaba más que el deber, por lo que fue regañada por la madre.»

En 1738 la familia se mudó a la ciudad de Brescia, donde Eleonora comenzó su instrucción formal a los doce años bajo la tutela de su padre, haciendo dibujos, copiando grabados y pintando figuras. Decidió dedicarse a la pintura de retratos, obteniendo regularmente encargos de la nobleza de Brescia y de las cercanas Mantua y Cremona. Entre sus clientes se encontraban sus mecenas, el alcalde, el obispo, damas, caballeros, comerciantes y hasta monjes y monjas. Su mecenas, Giovanni Molin, cardenal de Brescia, fue quien le encargó el retrato a gran escala de su Santidad del papa Clemente XIV. También realizó obras de temática religiosa: el pintor e historiador del arte italiano Giovanni Battista Zaist (1700-1757) le encargó una pintura, en este caso, de la Virgen María. Participó en el ambiente cultural de Brescia y fue conocida como retratista talentosa, fue nombrada miembro honoraria de la Academia Clementina en Bolonia en 1767, siendo así una de las pocas mujeres pintoras en ser reconocida institucionalmente. Fue una de las artistas incluidas en la revisión que el pintor e historiador Luigi Crespi (1708-1779) realizó del libro Felsina pittrice, de Carlo Cesare Malvasia (1616-1693), sobre los pintores de Bolonia, donde destaca el atractivo de su trabajo y señala que no solo la gente local distinguida deseaba ser retratada por Eleonora, sino también «viajeros inteligentes o nobles», además de citar su dominio de la lengua francesa.

Como en tantas ocasiones, la artista cayó en el olvido y no se conocen obras suyas que hayan llegado a nuestros días y la mayor parte de ellas están atribuidas a su padre.

Pintora, calígrafa y poeta, su nombre de nacimiento fue Machi, pero ya de niña se le dio el nombre artístico de Gyokuran, cuyo significado es «ondas de joyas». Aprendió a pintar a una edad temprana con el pintor de estilo nanga Yanagisawa Kien (1707-1758), quien probablemente le presentó a su futuro esposo Ike no Taiga (1723-1776), perteneciente también a la escuela nanga.

Fue una pareja de preeminentes artistas en el Japón del siglo XVIII y se hizo muy conocida en la comunidad artística de Kioto por tocar música juntos, como iguales, algo que no era muy usual en un país donde las mujeres eran consideradas inferiores a los hombres. Con su pincelada flexible y característica, Gyokuran pintó pantallas plegables y puertas correderas, pergaminos de mano y colgantes y abanicos, representando a menudo pequeñas escenas en las que inscribió sus poemas en una caligrafía que revela un toque elegante. Fue una figura tan importante que hasta el día de hoy, durante el Jidai Matsuri (Festival de las Edades) anual de Kioto, una fiesta en que las jóvenes se visten como figuras femeninas destacadas de la historia de Kioto, muchas visten como Gyokuran.

En el 2007 se celebró una exposición de los trabajos del matrimonio en el Museo de Arte de Filadelfia titulada Ike Taiga y Tokuyama Gyokuran: maestros japoneses del pincel, gracias a la cooperación especial del Museo Nacional de Tokio y del Museo Municipal de Osaka. Según Anne d’Harnoncourt, directora de este museo:

«Era excepcionalmente raro que las mujeres en el Japón del siglo XVIII fueran pintoras, pero Gyokuran era una poeta y pintora talentosa.»

El trabajo de Gyokuran se incluyó en un par de exposiciones celebradas en Tokio en 2015, tituladas Espléndidas artistas japonesas en el período Edo, en el Museo Conmemorativo Kosetsu, y Uemura Shoen y espléndidas mujeres artistas japonesas, en el Museo de Arte Yamatane.

Hija mayor de John Carwardine y su esposa Anne Bullock, Penelope comenzó a practicar la pintura de miniaturas como un pasatiempo, pero a partir de 1754 tuvo que dedicarse a ello profesionalmente para ganarse la vida y mantener a su familia cuando su padre tuvo dificultades económicas. Instruida por el destacado pintor de retratos en miniatura inglés Ozias Humphrey (1742-1810), [Aunque este dato que sugiere el Diccionario Nacional de Biografía y otras fuentes puede estar equivocado, ya que, según las fechas vitales de ambos, bien pudo haber sido al revés, y ser Humphrey alumno de Carwardine] junto a su madre, Anne Bullock, también pintora de miniaturas, de la que no hemos encontrado más información que firmaba sus obras como «Sra. Thomas Carwardine», Penelope expuso en la Sociedad de Artistas de Londres en 1771 y 1772. Perteneció a la Modest School de miniaturistas ingleses, un grupo al que también pertenecían los pintores Peter Paul Lens (ca. 1714-ca. 1754) y Gervase Spencer (ca. 1715-1763), quien posiblemente también fue maestro de Penelope. Retrató a muchos personajes de la época, como lady Anne Egerton (ca. 1705-1762), el conde de Coventry, la condesa de Coventry Maria Gunning y la condesa de Egremont Alice (ca. 1726-1794). Fue amiga cercana de Frances Reynolds (1729-1807) (pintorA n.º 56) y de su hermano Joshua Reynolds (1723-1792), que retrató a una de sus hermanas. Muchas de sus las miniaturas de Penelope, datadas entre 1750 y 1785, suelen estar firmadas solo con sus iniciales «P. C.» con el objetivo de facilitar la venta al ocultarse el género de la artista. A partir de 1887, muchas de sus miniaturas permanecieron a su familia. El 26 de mayo de 1973 se casó con James Butler, el organista de la iglesia de Santa Margarita, en Westminster, en la iglesia de St. James Piccadilly en Londres. Tal y como dictaban las costumbres sociales de la época, tras su matrimonio trabajó mucho menos. Al morir fue enterrada en Preston Wynne, Herefordshire.

Pintora y crítica de arte, Frances, al igual que su hermano, el pintor sir Joshua Reynolds, fue una prolífica retratista de la élite de la sociedad londinense. Pintó retratos de la mecenas de las artes Elizabeth Montagu (1718-1800), en 1778, y de una de las principales exponentes de la literatura inglesa, la escritora Hannah More (1745-1833), en 1780. Además de retratos, pintó miniaturas, piezas de género y pinturas de historia. Realizó copias de cuadros de su hermano, de las cuales este dijo: «hacen reír a otras personas y a mí llorar». Sin embargo, el pintor británico James Northcote (1746-1831) se refirió a ella en una carta diciendo: «pinta muy bien, tanto la historia como el retrato». Este es un claro ejemplo de cómo los varones tenían mayor importancia entre las familias. Aunque ella trabajó junto a su hermano y, de hecho, vivió durante algunos años en su casa hasta que sus sobrinas fueron mayores, él había recibido una educación artística adecuada mientras Frances fue tomada como una simple aficionada. Años después vivió como huésped del traductor inglés doctor John Hoole (1727-1803), del que realizó un retrato para la primera edición de su traducción de Ariosto.

También fue escritora, y el escritor Samuel Johnson (1709-1784), del que pintó su retrato en 1783, elogió su Ensayo sobre la estética, impreso en 1784, que defendía la primacía de la «virtud, el honor y el ornamento» en el retrato. Durante sus últimos años vivió en una gran casa en Queen’s Square, Westminster, donde expuso sus propias obras y donde falleció el 1 de noviembre de 1807.

Hija del alcalde de Great Torrington John Palmer (1708-1770) y la escritora Mary Reynolds (1716-1794), autora de A Dialogue in the Devonshire Dialect, en su día considerada «la mejor obra literaria en lengua vernácula de Devon». A los trece años, Theophila y su hermana Mary (lady Thomond), se alojaron con sir Joshua en Leicester Fields, Londres. Su tío tenía un gran afecto por las dos niñas y llamaba a Theophila «Offy». En 1780 se casó con Robert Lovell Gwatkin y, como regalo de bodas, recibió de sir Joshua un retrato de ella que había comenzado a pintar en 1776. El matrimonio tuvo diez hijos y lo más probable es que, tras la boda, Theophila abandonara la pintura. Descrita como artista aficionada, uno de sus cuadros, un paisaje realizado en óleo sobre lienzo, pertenece a la colección de la Real Academia de Arte de Londres.

Theophila fue más conocida por posar para las obras de su tío sir Joshua Reynolds que por sus propias obras. Tanto ella como su hermana Mary y, más tarde, una de sus hijas, también llamada Theophila, solían posar a menudo para sir Joshua cuando pintaba figuras femeninas.

Murió el 4 de julio de 1848, a los noventa y un años, mientras visitaba a su hija en Ideford Rectory, Devonshire. En un escrito de la novelista Maria Edgeworth (1768-1849), la autora se refiere a Theophila Palmer como:

«Ella ha sido muy bonita y, aunque sorda, es muy agradable.»

Hermana de sir Joshua Reynolds

Hija de Johanna van Oijen y el pintor de retratos y temas históricos Jan Abel Wassenbergh (1689-1750), con quien aprendió a pintar junto a sus hermanos Jan (1716-1763) y Gertruida Abelia, también pintores, si bien de esta última no hemos encontrado nada de información. Elisabeth trabajó en el taller familiar hasta celebrar su matrimonio a sus cuarenta y ocho años, el 8 de febrero de 1778, con el abogado Jan Tiddo Fockens (1725-ca. 1800), momento en que dejó de pintar. Falleció pocos años después, en 1781. Pronto cayó en el olvido, en parte porque con el paso del tiempo muchas de sus obras, al no estar firmadas, se convirtieron en anónimas o fueron atribuidas a otros artistas. La mayor parte de las obras de Elisabeth son escenas domésticas en las que representó a los miembros de su familia. Están realizadas con tal detalle que reflejan de forma precisa las ropas y los interiores de los hogares de la ciudad de Groningen durante el siglo XVIII.

Hasta nuestros días han llegado 16 pinturas de esta artista que, aunque tuvo bastante éxito en su momento, probablemente vendió poca obra. El interés por su trabajo comenzó a partir de la segunda mitad del siglo XX y el conocimiento y la fama de su obra fueron aumentando tanto que sus pinturas fueron exhibidas junto a las de su padre en la exposición La Edad de Plata en Groningen (De Zilveren Eeuw in Groningenen) de 2006-07, en el Museo Groningen.

Parece que fue hija de Antonio Gilli y Anna Caterina Riccardi y hermana de Angela Cristina, casada con el pintor y decorador Bartolomeo Brambilla (1731-1775), pero sabemos muy poco sobre la vida y la carrera de esta pintora italiana, salvo que estuvo activa en Turín entre 1729 y 1751 y que trabajó como artista decorativa en el Palacio Real de dicha ciudad y en la residencia de caza de Stupinigi. Su estilo se describió como similar al del pintor Michele Antonio Rapos (1733-1819). En la exposición realizada en 1820 en Turín dedicada a los artistas locales fallecidos, se le atribuyeron dos bodegones de frutas al pastel bajo la firma «Rosa Gilli, Torinese». Hoy en día está a la venta en una casa de subastas un par de bodegones de flores con marcos originales pintados a mano.

Sabemos muy poco de esta pastelista y grabadora, activa tanto en su ciudad natal, Vicenza, como en Verona, donde llegó a ser miembro de la Academia de Arte.

Fue alumna del pintor de estilo rococó Giambettino Cignaroli (1706-1770) y produjo retratos, escenas religiosas y mitológicas. En 1755 se casó con un hombre apellidado Ceroni y, según algunas fuentes, fue nombrada en un poema de Giovanni Anastasio Pozzobon (1713-1785).

Hija de Le Jeuneux, un financiero que poseía un conocido gabinete de curiosidades en la planta baja del Hôtel de Chavigny, y conocía al polímata estadounidense Benjamin Franklin (1706-1790). El primer registro que tenemos de una pintura suya es de 1755. Se trata de un dibujo de De Lacaille, representando un mapa del cielo nocturno sobre el hemisferio sur, que hoy se encuentra en la colección del Observatorio Astronómico de París. También realizó varios retratos, tanto al óleo como al pastel, como el del astrónomo Nicolas-Louis de Lacaille (1713-1762) de 1762 o el que lleva por título Joven con una flor en el pelo del año siguiente y que en 1993 se encontraba en la casa de subastas parisina Pesccheteau-Badin. En 1769 se casó con André Baudin de La Chesnaye (1732-1792), un caballero de la orden de San Luis, y comandante de la guardia nacional de París, que fue uno de los masacrados en la prisión de La Force en 1792, en plena Revolución Francesa. Dos años después, en 1794, y tras el decreto del Destierro de Nobles dictado por el Comité de Seguridad Pública, Anne-Louise se precipitó al Sena y murió ahogada.

Desconocemos sus datos hasta sus veinte años, cuando en 1750 se casó con el pintor sevillano Francisco Preciado de la Vega (1712-1789), residente en Roma desde 1732 y primer artista español encargado de atender a los pensionados de la Academia de la ciudad. Probablemente, se formó con su marido, tal y como demuestran algunas de las obras en las que es difícil distinguir la autoría de uno y otra. Diez años más tarde, Caterina alcanzó notoriedad y reconocimiento como copista y miniaturista. Consiguió el favor de Carlos III, gran amante de este género, que le concedió una pensión anual de tres mil reales desde 1774, a condición de que le enviara cada año una miniatura copiando a un pintor famoso. Ella cumplió este compromiso incluso después de la muerte del rey en 1788, al menos hasta 1804. Estos ingresos ayudaban a la economía familiar que, a juzgar por unas cartas de la época, «siempre anda algo estrecha, pues del matrimonio dependen la suegra, con dos hermanas de su marido y tres cuñadas doncellas».

La hija de ambos, Clementina Preciado, también fue miniaturista, pero no tenemos ningún dato de su obra

Su alto nivel artístico le valió el ser admitida en tres academias de Bellas Artes. El 13 de enero de 1760 fue elegida académica de San Luca de Roma y entregó en agradecimiento una Virgen con el Niño que hoy se conserva en dicha institución. Ese mismo año envió a la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid su obra La justicia y la paz, copia de Ciro Ferri, lo que le valió el nombramiento de académica de mérito en agosto de 1761. También fue académica de la Clementina de Bolonia y de la Academia de Literatura de los Arcades de Roma bajo el seudónimo de Ercilla Atenea [Los miembros de esta academia tomaban nombres extraídos de la mitología o la historia griega]. La primera obra de Cherubini de la que tenemos noticia es una copia de un San José original de Corrado Giaquinto (1703-ca. 1765) datada en 1752, y enviada a Madrid por su marido. En 1754 firma su primera obra conservada, un pequeño cobre en el que representa a La Virgen con el Niño sobre las pajas, perteneciente a una colección particular de Murcia (España). Sin embargo, el concepto que se tenía sobre la tarea artística de las mujeres en ese momento no era muy elevado, como vemos en el juicio que expresa su propio marido en una carta:

«Mi muger con salud también prosigue como siempre laboriosa y aplicada unas vezes minando (q.e lo haze grandemente) y otras pintando al olio con q.e suele, contentando a m.s ayudarse y ayudarme, pues gusta su prolixidad y acierto en copiar q.e es a quanto puede estenderse una muger.»

A pesar de que realizó cerca de cincuenta obras durante treinta años para la Corona española, no existe conocimiento de la mayor parte de ellas en las colecciones reales. El hecho de que haya desaparecido un número tan importante de pinturas solo puede explicarse porque se mantengan en el anonimato o hayan sido asignadas a otros pintores.

Nacida en una familia de artistas, sus padres fueron los pintores Anthony Elliger (1701-1781) y Christina Houbraken (ver PintorAs vol. 1), hija del pintor, grabador y biógrafo neerlandés Arnold Houbraken (1660-1719). Su tía, Antonina Houbraken (ver PintorAs vol. 1) también se dedicó a la pintura. Christina Maria fue una notable pastelista que, ya a sus diecisiete años, fue incluida por el pintor y escritor Johan van Gool (1685-1763) en su libro de biografías de pintores, afirmando que hacía buenas semejanzas de retrato con pastel. Nada más conocemos sobre su obra. De su vida personal sabemos que se casó con G. Swami, razón por la que a veces se la conoce como Christina Maria Swami-Elliger. También conocemos su firma gracias al registro de bodas de la ciudad de Ámsterdam.

En 1763 se casó con el grabador francés Jacques-Nicolas Tardieu (1716-1791) tras este quedarse viudo de su primera esposa, la también grabadora sobre cobre Jeanne-Louise-Françoise Duvivier (ca. 1719-1762), la hija del medallista francés Jean Duvivier (1687-1761), de la que no tenemos más información. Los Tardieu son una famosa familia de artistas franceses que se remonta al grabador del rey Nicolas-Henri Tardieu (1674-1749), casado en París, en 1682, con la también grabadora Marie-Anne Hortemels (ver PintorAs vol. 1). Un sobrino y alumno de Nicolas-Henri Tardieu, el grabador Pierre François Tardieu (1711-1771) se casó con la grabadora Marie-Anne Rousselet (pintorA n.º 69). Élisabeth-Claire Tardieu trabajó como grabadora creando reproducciones de grabados sobre planchas de cobre de Pierre Louis Dumesnil (1698-1781), François de Troy (1645-1730), Étienne Jeaurat (1699-1789) y otros. Hoy en día se conservan varias de sus obras en museos y bibliotecas de todo el mundo.

Los únicos datos que tenemos de esta pintora sueca son que fue hija del vicario Eric Petter Giers y su esposa Britta Giring, y estuvo casada con el profesor Olof Murén. La mayoría de sus obras fueron copias en gouache de obras de los antiguos maestros. Un ejemplo es la pintura en miniatura, Jerónimo en un paisaje, realizada en 1747, después de Jan Brueghel (1568-1625).

Hija del político Anthonie van der Heim (1693-1746) y de Catharina van Waeven (1694-1763), en 1758 se casó con el también político Gerlach Jan van der Does (1732-1810). Desconocemos más datos de su vida y cuál y dónde fue su formación, pero parece que Herbertina, de la que el Museo del Prado conserva una obra, fue una pintora muy activa en Ámsterdam durante el siglo XVIII. Esta obra es el dibujo de una mano femenina realizada con sanguina que aparece firmada en su parte inferior derecha y que seguramente fuera un dibujo preparatorio para un retrato femenino. Llegó al Museo del Prado en 1931 como parte del legado de 2.875 dibujos de Pedro Fernández Durán y Bernaldo de Quirós (1846-1930).

Hija de Cornelis Troost (1696-1750), considerado el pintor holandés más importante del siglo XVIII. A la muerte de su padre, Sara tenía dieciocho años, y pudo contribuir al mantenimiento de su familia, trabajando como lectora para mujeres mayores y dando clases de dibujo y pintura. Entre sus alumnas estaba la conocida pintora y grabadora Christina Chalon (pintorA n.º 133). A los cuarenta y seis años contrajo matrimonio con el impresor Jacob Ploos van Amstel, hermano del pintor Cornelis Ploos van Amstel (1726-1798), que se convertiría en su cuñado al casarse con su hermana Elisabeth. Tras la muerte de su esposo, continuó con la imprenta hasta que la vendió en 1799 a la familia Enschedé. Sara falleció cuatro años después, a los setenta y un años. Sara fue conocida por las copias que realizó en acuarela de obras de diversos artistas como su propio padre o el pintor Jacob Ochtervelt (1634-1682), especializado en pintura de género. De este último realizó una copia en 1787 de su obra La vendedora de cerezas. El retrato que su padre hizo de ella en 1745 se conserva en el Rijksmuseum de Ámsterdam.

En 1757 se casó con el grabador y cartógrafo Pierre François Tardieu (1711-1771), sobrino del destacado grabador Nicolas-Henri Tardieu (1674-1749). La pareja trabajó junta en ocasiones. Tras la muerte de su marido, Marie-Anne continuó su trabajo como grabadora, pero no fue reconocido hasta finales del siglo XVIII y principios del siglo siguiente gracias a su labor como ilustradora científica que firmó como «MRV Tardieu». Se conservan muchos ejemplos de ilustraciones que realizó para los distintos libros enciclopédicos de naturaleza de los principales naturalistas franceses como Ilustraciones de historia natural de los peces (1798-1803) de Bernard Germain Étienne de Laville-sur-Illon, conde de Lacépède (1756-1825); Ilustraciones de historia natural de los pájaros (1781) e Ilustraciones de historia natural de los cuadrúpedos ovíparos y de las serpientes (1788), ambas de Georges-Louis Leclerc, conde de Buffon; Historia natural de las plantas clasificadas por familias (1803), de Jean-Baptiste de Lamarck (1744-1829), e Historia natural general y particular de crustáceos e insectos (1805), del entomólogo Pierre André Latreille (1762-1833). Además, los grabados de temática natural y científica, también se conservan varios grabados de temas históricos, de género y religiosos, como un San Juan Bautista de 1756, copiado del pintor francés Jean-Baptiste van Loo (1684-1745).

Nacida en la familia artística Richter, Johanna estudió pintura con el francés Charles-François Hutin (1715-1776), director de la Real Academia de las Artes de Dresde, y con el pintor polaco-italiano Marcello Bacciarelli (1731-1818) con quien se casó en 1755 y del que aprendió la técnica del puntillismo seco que economizaba pigmentos. En 1753 había comenzado a trabajar en la corte de Dresde y tres años después se trasladó a Varsovia, donde en 1759 recibió el título de pintora de la corte de Augusto III de Polonia. Retrató principalmente a la nobleza y a los reyes, incluido Estanislao II Poniatowski (1732-1798), y pintó miniaturas de retratos en marfil, lo que era inusual en Polonia en ese momento. En 1764 regresó a Dresde y recibió el título de académica de la Academia de Bellas Artes de esta ciudad convirtiéndose, más tarde, en miembro honoraria. Durante un tiempo residió en Viena, donde pintó copias de pinturas en miniatura para Elżbieta Szydłowska (1748-1810), miembro de la nobleza polaca. Regresó a Varsovia junto a su esposo y allí enseñó pintura a muchos de los artistas que constituyeron la escuela de miniaturas de Varsovia.

Al no firmar sus obras, la mayoría de ellas se han atribuido a otros artistas. Las dos hijas de Johanna, Anna y Manon, continuaron con la tradición artística de la familia aprendiendo a dibujar con sus padres. Anna, nacida en 1771, se convirtió en miniaturista y cantante, pero nada sabemos de su obra artística ni de su hermana Manon.

Hija mayor de los cuatro hijos del floricultor Jan Kreps (m. 1777) y Eva Welpshof (m. 1779). En 1749, su familia se trasladó a Haarlem, donde su padre montó un vivero de flores de renombre llamado Hof van Flora en la calle Kleine Houtweg. Desconocemos a su maestro, por eso es natural pensar que debió de ser su entorno el que debió haber inspirado a Dorothea a realizar dibujos, acuarelas y gouaches de las plantas, flores y frutas que su padre cultivaba. El 2 de abril de 1758 se casó en Beverwijk con el jardinero Johannes Storm, el cual trabajaba para el Jardín Botánico de Ámsterdam. Se conocieron cuando ambos se encontraban en Leiden para admirar la planta de aloe americana, que logró hacer florecer Schuurmans Stekhoven. Durante la boda se leyó un poema donde la novia fue alabada como «maestra del arte en las pinturas de flores». El matrimonio tuvo siete hijos y, mientras los criaba, Dorothea continuó en lo que ella consideraba un pasatiempo: pintaba en una buhardilla situada encima del invernadero del Jardín Botánico donde trabajaba su marido. En 1759 el jardín fue visitado por la princesa Maria Amalia de Nassau-Dietz, quien admiró las acuarelas de Dorothea.

Pocas obras nos han llegado de esta ilustradora, entre ellas una acuarela que forma parte del Atlas Moninckx, colección de dibujos de plantas del Jardín Botánico de Ámsterdam, y un gouache del Album Amicorum, firmado en 1753. En un antiguo catálogo de arte se mencionan 24 acuarelas, firmadas por Dorothea, que no han llegado a nuestros días. Dorothea Storm-Kreps falleció durante el parto de su séptimo hijo, cuando contaba con tan solo treinta y ocho años.

Hija del joyero real Bartolomé Giroust y de Marie Suzanne Leroy, de familia adinerada, se quedó huérfana a los diez años y fue adoptada por unos familiares. La herencia de sus padres le permitió estudiar con algunos de los artistas más importantes de París como Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) y Joseph-Marie Vien (1716-1809), precursor del neoclasicismo y esposo de la pintora Marie-Thérèse Reboul (pintorA n.º 74). La pintura de Vien es la que más influiría en la obra de Giroust y fue en el taller de este pintor donde conoció al artista sueco Alexander Roslin (1718-1793). Giroust deseaba casarse con él, pero, su tutor y su familia se lo impedían porque Roslin era pobre y protestante, pero tras rechazar a los pretendientes que le sugerían, se le permitió casarse con Roslin. El matrimonio se celebró el 5 de enero de 1759 y tuvieron seis hijos, tres niñas y tres niños. La pintora ingresó en la Academia de Pintura y Escultura de París en 1770. Fue una de las quince mujeres aceptadas como académicas de pleno derecho en los ciento cuarenta y cinco años de historia de la institución. Su pieza de recepción, Retrato del escultor Jean-Baptiste Pigalle (1770), fue elogiada por Denis Diderot (1713-1784) en 1771 por sus «colores hermosos y fuertes». Su mismo esposo la juzgó como mejor pintora que él. El Rey de Francia, que admiraba la obra de los dos artistas, Giroust y Roslin, proporcionó al matrimonio un apartamento en el palacio del Louvre.

Las obras de Marie-Suzanne Giroust se hallan repartidas por diversos museos de Francia y colecciones privadas, además del Museo Nacional de Bellas Artes de Suecia, en Estocolmo, donde una sala está dedicada a su obra. Aquí también se encuentran dos retratos de la artista realizados por su esposo, uno en 1768, La dama del velo, y otro en 1770. En el Museo del Louvre se conserva un retrato de la pintora con una de sus hijas, pintado por Peter Adolf Hall (1739-1793) en 1770. Marie-Suzanne Giroust murió de cáncer de mama, el 31 de agosto de 1772, a los treinta y ocho años.

Perteneciente a la nobleza inglesa, hija de Charles Spencer y Elisabeth Trevor, comenzó a pintar a una edad temprana copiando obras de grandes artistas como Rubens, animada por el pintor y amigo de la familia Joshua Reynolds (1723-1792), uno de los fundadores de la Real Academia de Artes. En 1757, a los veintitrés años, se casó con Frederick St. John, vizconde de Bolingbroke, pero debido a la vida disoluta de este, sus múltiples amantes, dedicado al juego y lleno de deudas, Diana presentó una petición de divorcio en 1768. En agosto de ese mismo año se casó con Topham Beauclerk y tuvieron cuatro hijos. De 1762 a 1768 Diana fue dama de la reina Carlota y fue conocida como «Lady Di».

Qué cosas

Diana produjo una serie de obras de las cuales, desafortunadamente, quedan pocos rastros. Su primer trabajo fue parte de un grabado punteado, publicado por el editor John Boydell en 1782. Desde 1785 formó parte de un grupo de mujeres, junto con Emma Crewe (pintorA n.º 100) y Elizabeth Upton (pintorA n.º 127), que trabajaron realizando diseños para la cerámica Wedgewood. También pintó acuarelas de temas pastoriles con referencias mitológicas. Además, ilustró varias producciones literarias como La madre misteriosa de Horace Walpole, Leonora de Gottfried August Bürger (1796) y Las fábulas de John Dryden (1797).

A mediados de la década de 1990, un retrato de ella colgado en Kenwood House, palacio situado en el barrio de Hampstead en Londres, llevaba la curiosa leyenda:

«Lady Diana, conocida sobre todo por la infelicidad de su primer matrimonio.»

Admirada por sus contemporáneos, especialmente por sus dibujos de niños, cupidos y bacantes, Diana pronto fue olvidada como artista. Joshua Reynolds (1723-1792) realizó un retrato de esta pintora entre 1763 y 1765 que pertenece a una colección privada inglesa.

Lady Diana Spencer, ¡¡maravillosa coincidencia!!

Sabemos poco de su vida antes de su matrimonio, pero parece que pudo haber sido alumna de la ilustradora botánica Madeleine Françoise Basseporte (pintorA n.º 6). El año 1757 fue un gran año para Reboul: realizó 19 pinturas firmadas como «M. Th. Reboul» ilustrando la obra Historia Natural de Senegal del naturalista Michel Adanson (1727-1806); se casó con el pintor Joseph-Marie Vien (1716-1809), con quien tuvo tres hijos, uno de ellos, Joseph-Marie Vien, también sería pintor; y formó parte del privilegiado grupo de cuatro pintoras aceptadas como miembros de la Real Academia de Pintura y Escultura de París.* Sus compañeras fueron Adélaïde Labille-Guiard (pintorA n.º 132), Élisabeth Vigée Le Brun (pintora n.º 161) y Anne Vallayer-Coster (pintorA n.º 114). Desde entonces recibió numerosos encargos y destacó en la ilustración de publicaciones de estudios antropológicos y de historia natural, como, por ejemplo, los grabados para la obra Disertación sobre el papiro del anticuario Anne Claude de Caylus o los trece grabados de Suite de jarrones compuestos en el estilo de la antigüedad conservados en el Instituto Nacional de Historia del Arte, en París. Entre 1757 y 1767 expuso en cinco salones bienales, recibiendo cada vez más atención y elogios. Entre 1775 y 1780 la familia Vien vivió en Italia, ya que Joseph-Marie fue nombrado director de la Academia Francesa en Roma, allí ambos artistas fueron nombrados académicos de la Academia de San Lucas. En 1789, con el movimiento revolucionario francés, Marie-Thérèse formó parte de una delegación de esposas e hijas de artistas que, vestidas de blanco y adornadas con la escarapela revolucionaria, se presentaron ante la Asamblea Nacional ofreciendo sus joyas para el pago de la deuda pública. Pero el prolongado período de agitación política trajo austeridad y dificultades, especialmente después del cierre de la Academia en 1793.

Pintó en acuarela numerosos bodegones y escenas sobre elementos de la naturaleza como flores y pájaros, pero, a finales del siglo XIX, pocas de sus pinturas se podían ya localizar. Catalina II de Rusia adquirió varias de sus obras y actualmente se encuentran en el Museo del Hermitage de San Petersburgo. Nos han llegado dos retratos de la artista, uno realizado por Alexander Roslin en 1757 y otro pintado por su esposo en 1760.

Retratista y miniaturista francesa al pastel y óleo, fue más conocida por sus obras al pastel. Tenemos muy pocos datos de su vida privada, pero sabemos que fue bautizada en la iglesia parisina de Saint Laurent, que tuvo cinco hermanos y que su matrimonio fue de corta duración porque se divorció en 1779. Estudió arte con el pintor Maurice Quentin de La Tour (1704-1788), quien le enseñó a trabajar con pasteles y esta siguió los pasos de la veneciana Rosalba Carriera (1675-1757) (ver PintorAs vol. 1). Se convirtió en una artista con gran demanda en París de la que se decía que era:

«Una de las pastelistas más estimadas del siglo XVIII» y «sus retratos en pastel fueron apreciados por su habilidad, realismo y calidez expresiva.»

Como la prestigiosa Real Academia rara vez admitía obras creadas por mujeres, muchas de ellas buscaron exponer en otros lugares. Así, Navarre fue miembro del gremio de artistas Academia de Saint-Luc, que contaba con unas ciento treinta mujeres entre sus aproximadamente cuatro mil quinientos miembros. Allí expuso en tres ocasiones, entre 1762 y 1774, y este mismo año expuso en el Salón de la Correspondencia junto a otra alumna de De La Tour, Adélaïde Labille-Guiard (pintorA n.º 132). En 1762 y 1764, expuso en el Hôtel d’Aligre de la rue Saint-Honoré de París. Una reseña publicada en 1776 en el Almanach des peintres et sculpteurs elogió el talento de Navarre por sus pasteles, destacando que:

«al ver sus cuadros, se podía evaluar su talento con exactitud, ya que fueron ejecutados sin ayuda, a diferencia de los de otras señoritas.»

Aprendió dibujo y pintura de niña en el taller familiar de Estocolmo, donde demostró tener un talento precoz para el arte, pero debido a las dificultades económicas familiares tuvo que trabajar como ama de llaves en la casa de su tío, el orfebre Gustaf Stafhell el Viejo (1683-1761), padre de Margareta Gustafsdotter Staffhell (pintora n.º 37). Sin embargo, su tío le permitió desarrollar su talento artístico y Ulrika comenzó a recibir encargos como retratista profesional, lo que le permitió independizarse en un apartamento y montar su propio estudio, con cuyas ganancias pudo ayudar a la familia durante al menos diez años. Su hermano Lorens había estado estudiando arte en Copenhague y París desde 1752 y, cuando volvió en 1766, Ulrika trabajó con él compartiendo estudio donde, aparte de realizar sus propias obras, también colaboraba con su hermano a terminar detalles en sus retratos. En 1773 se fundó la Real Academia Sueca de las Artes y ese mismo año la institución aceptó a quince miembros, entre los que se encontraban los dos hermanos Pasch. Ulrika fue la única mujer entre ellos pero, a diferencia de sus homólogos masculinos, nunca recibió una pensión de la Corona a pesar de repetidas reclamaciones. Aun así, la pintora expuso periódicamente en la Academia y tuvo una exitosa carrera hasta su muerte, trabajando tanto para miembros de la corte sueca como para la aristocracia local.

En 1798, dos años después de su muerte, se leyó un discurso conmemorativo «Minne af Ulrica Fredria Pasch» («En memoria de Ulrica Fredria Pasch»). Pasch es la artista femenina más famosa y exitosa de Suecia y quizás también del resto de Escandinavia, entre las pintoras que trabajaron antes del siglo XIX. Fue uno de los personajes de la novela Pottungen de Anna Laestadius Larsson, de 2014, donde, junto a otras mujeres destacadas del momento, como la también pintora Marianne Ehrenström (1773-1867), se convierten en miembros de la Blue Stockings Society, organizada por Carlota de Holstein-Gottorp, reina consorte de Suecia.

Conocida como una «artista de dibujo», Hedvig Lovisa Pasch vivió la mayor parte de su vida junto a sus hermanos, quienes tampoco se casaron. Aunque no llegó a consagrarse como artista, dejó algunos dibujos que mostraban cierto talento. Desde que su hermano comenzó sus estudios en el extranjero en 1752 y la carrera de su padre ya no rindió tanto como antes porque no se adaptaba al nuevo gusto por el estilo recargado del rococó, la familia comenzó a tener problemas económicos. Lorens y Ulrika los mantuvieron con su trabajo, mientras que Hedvig se ocupaba del hogar. Se describe a Hedvig como profundamente cariñosa con sus hermanos y se da a entender que su muerte, cuatro meses después de su hermana Ulrika, fue un suicidio al caerse por la ventana de una buhardilla.

Alumna del grabador Jacques Aliamet (1726-1788), también se dedicó al grabado representando paisajes, principalmente de su Bretaña natal, y animales. Además, reprodujo con grabados dibujos de su hermano Nicolas y participó con él en cuaderno de viaje y paisajes marinos.

Marie-Jeanne, casada con el también grabador Le Gouaz (1742-1816), realizó pinturas que incluyen Vista de Livorno y Tiempo sereno, copias del pintor Claude Joseph Vernet (1714-1789), y La granja de flamencos y El relevo flamenco, después del pintor holandés Philips Wouwerman (1619-1668).

Marie-Élisabeth, dedicada al grabado y al pastel, en 1763 fue admitida en la Academia de San Lucas, donde al año siguiente expuso dos retratos en pastel, Retrato de un caballero y Retrato de una joven con vestido rosa. Su obra recuerda a la del retratista en miniatura y pastel Simon-Bernard Lenoir (1729-1798). Falleció en el número 105 de la rue de la Tixeranderie de París en 1797.

Bing se dedicó principalmente a la pintura de pájaros y flores ejecutada con la técnica mokkotsu, que destaca por la ausencia de contornos y utiliza manchas de color para crear los diversos elementos de la composición. Los artistas de la familia Yun tenían preferencia por dicha técnica y fue ella quien alcanzó mayor fama. Se la suele comparar con la pintora Ma Quan (1669-1722) (ver PintorAs vol. 1), especializada igualmente en la pintura de pájaros y flores, pero realizados con fuertes contornos. La compilación de 1818 Chuyue jiexu wenjian lu apunta que en la región de Jiangnan se las citaba como las «dos sin igual». Bing también pintó figuras humanas, como en la obra titulada Pergamino de la horquilla, que representa a una mujer arreglándose el cabello. Algunas de sus obras fueron presentadas al emperador Qianlong, quien, profundamente impresionado, escribió un poema alabando su arte, tras lo cual la reputación de Bing se extendió de tal manera que no podía atender tantos pedidos como le hacían. Se casó con el poeta Mao Hongdiao y tuvieron una vida enfocada hacia las artes plásticas y literarias. Creó un álbum de «las flores de los doce meses», tema muy popular, y un álbum de flores e insectos del que destacan obras como Rosas, campánulas y escarabajo o Ranas, peces y plantas acuáticas. Aunque sus fechas de nacimiento y muerte son desconocidas, una de sus pinturas en el Museo de Shanghái está fechada en 1750.

Existen obras atribuidas a Yun Bing que se pujan a buenos precios en las más prestigiosas casas de subastas: en 2013 se vendió por 475.000 dólares el abanico titulado Flores [Su obra más cara vendida]; en 2017, Christie’s vendió por 162.500 dólares una copia del siglo XIX de la Carpa, y en 2018, Sotheby’s vendió por 17.500 dólares Flores y mariposas.

Artista de gran talento nacida durante el reinado del emperador Daoguang de la dinastía Qing y que continuó la tradición de pintar flores y pájaros heredada de su tía Yun Bin, con quien aprendió la técnica, se casó con Wanglan Tinglu, un aristócrata manchú con quien tuvo cuatro hijos, y fue una de las mujeres más talentosas y versátiles de su época. Pintora, poeta, escritora y antropóloga, algunas de sus obras más famosas, tanto en pintura como en poesía, han llegado a nuestros días. A los cincuenta años y tras la muerte de su marido en 1820, tomó como seudónimo «Experta del Lago de los Lotos».

Su trabajo literario más importante fue un libro de poesía titulado Poesía de mujeres: Antología para un correcto comienzo. Un libro con obras de 933 autoras diferentes de Corea y Mongolia con 1.700 poemas que tardó veinte años en completarlo. Fue publicado en 1814 y reimpreso en 1866 y en 1928. Yun Zhu escribió también su autobiografía, publicada por su hijo Linqing y gracias a ella sabemos que Zhu se fue a vivir con él y que, tras su muerte, este llevó sus restos a Pekín para su entierro.

Pastelista de la que sabemos que mostró dos retratos en la exposición de San Lucas de 1737, pero poco más conocemos de ella. Pudo haberse casado con Cosimo Braccini, ya que la tumba de este, en la capilla de Santa Rosa di Viterbo, lleva una inscripción en la que se refiere a su esposa como «Celeste Tanfani» y a sus hijos. Un retrato de un caballero y una copia de un autorretrato de Rembrandt fueron registrados en el inventario de los Uffizi de 1890.

Hija del conde Axel Sparre af Sundby y Augusta Thörnflycht, Ulrika Sofia se casó con el barón Carl Adlerfelt, pero poco más sabemos de ella. Fue alumna del pastelista rococó y retratista sueco Gustaf Lundberg (1695-1786), aunque ella se dedicó al dibujo y al óleo, y llegó a ser miembro de la Real Academia Sueca de las Artes.

Casada con el escultor Jean Pierre Antoine Tassaert (1727-1788), con el que tuvo ocho hijos, entre ellos, el grabador Jean-Joseph-François Tassaert y la pastelista Henriette-Félicité Tassaert (1766-1818). En 1775 la familia se trasladó a Berlín, donde dio clases de dibujo al escultor Johann Gottfried Schadow (1764-1850), entre otros, y donde su hija Henriette-Félicité comenzó a pintar. Moreau expuso en el salón de París, desde 1768 a 1770, pero hasta hoy solo nos han llegado la pareja de retratos en miniatura realizados en acuarela y gouache sobre marfil. Son los retratos de su marido y su propio autorretrato, obras cuya calidad artística explica la presencia repetida de esta artista en el salón. En su autorretrato, miss Moreau aparece tocando una guitarra, lo que por un lado hace referencia a que también dominaba el arte de la música y, por otro, que al representarse para el público junto a su marido habría parecido impropio equiparar en igualdad la miniatura con la escultura. Además, era lógico que se hiciera a un lado, por discreción, frente a un marido tan famoso como lo era Tassaert en ese momento, motivo por el cual también es lógico que su figura se desvaneciera en el tiempo ante la fama de un marido.

Aprendió el oficio de sus padres en el taller familiar y, en 1787, a sus veinte años, pasó seis meses viviendo en la casa taller de la pintora Sophie Dinglinger (pintorA n.º 87) en Dresde, donde copió algunas obras de la Galería de Pinturas de los Maestros Antiguos, en óleo y pastel, sus medios preferidos. Ese mismo año presentó trabajos a la Academia de Berlín, donde fue nombrada miembro honoraria y continuó exhibiendo hasta 1816. A lo largo de su vida recibió algunos premios. A la muerte de su padre en 1788, se le otorgó una pensión para que pudiera continuar sus estudios mientras mantenía a sus tres hermanas y su hermano. En 1792 se casó con el abogado francés Louis Robert. En 1812 dio clases de pintura a artistas como la pintora Louise Henry (1798-1839) (pintorA n.º 436). Tras su fallecimiento, la mayoría de sus obras, un centenar de dibujos, pinturas y grabados, fueron donadas por su familia al Museo de Grabados y Dibujos de Berlín, pero muchas fueron subastadas, desaparecieron del registro y hoy desconocemos su ubicación.

De una familia de reconocidos orfebres de la corte de Dresde, su abuelo fue Johann Melchior Dinglinger (1664-1731) y su padre fue Johann Melchior Dinglinger (1702-1767) con quien aprendió a dibujar. Más tarde, recibió clases de pintura en miniatura del grabador, pintor y escultor Adam Friedrich Oeser (1717-1799). Realizó un gran número de pinturas y algunas de ellas se exhibieron en la nueva Biblioteca de Ciencias y Bellas Artes y, posteriormente, pintó copias en miniatura de obras al óleo de diversos pintores como el veneciano Giuseppe Nogari (1699-17631) y Pietro Liberi (1605-1687), entre otros. El elector Augusto III de Polonia compró su primera pintura, una copia de La Sagrada Familia de Rafael Sanzio (1483-1520), para su colección de miniaturas de la Galería de Arte Electoral.

Sophie inventó un método para fijar el pastel al papel que permitía el uso de colores más profundos y dar más naturalidad a las obras, método utilizado más tarde por la pintora especializada en retratos, Dora Stock (pintora n.º 186). La pintora parisina Henriette-Félicité Tassaert (pintora n.º 86), vivió con Dinglinger durante el inicio de su estancia en Dresde. En 1785, tenía tan mala salud que dejó de pintar.

Su padre, Johann Hermann Schäffer, caballerizo mayor real, era experto en caballos y ayudó al escultor Jacques-François-Joseph Saly (1717-1776) a ilustrar la anatomía equina. Johann animó a su hija en el arte de la pintura y consiguió que recibiera clases de dibujo de Saly, quien le enseñó a observar los detalles de la naturaleza. Para poder realizar su trabajo con precisión botánica, Magdalene adquirió un herbario. Utilizó tonos tierra apagados para reproducir motivos botánicos y así se ganó una reputación como la «primera y más grande pintora de las flores danesa». Además de pintar, trabajó el arte textil reproduciendo frutas en tres dimensiones cosidas con hilo de chenilla de seda. Tras su boda con el oficial Johan Georg Bärens en 1761, dejó su actividad artística para criar a sus cuatro niños, pero la retomó a los cuarenta años animada por el pintor Vigilius Erichsen (1722-1782). En 1780 se convirtió en la primera mujer en ser elegida miembro de la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Fue nombrada pintora de flores real por la reina viuda Juliana María de Dinamarca, quien adquirió dos de sus cuadros. En 1783 envió dos pinturas a Catalina la Grande de Rusia por las que fue muy bien pagada y recompensada con una medalla de oro. De 1788 a 1790 visitó Inglaterra junto a su marido y, a pesar de tener una buena acogida, no fue un éxito económico debido a las estrictas normas aduaneras para el arte extranjero. Tras quedar viuda en 1802 recibió una pensión anual por parte de la Academia Danesa.

Hija y aprendiz del artista Thomas Black (1715-1777), al igual que él, trabajó como asistente del retratista escocés Allan Ramsay (1713-1784), realizando copias de obras de antiguos maestros. Mary pintó los retratos del médico de la corte rusa, James Mounsey y su primo el también doctor Messenger Mounsey. Esta última obra, que durante muchos años fue atribuida a su padre, se conserva en el Real Colegio de Médicos de Londres. En 1769, tras exhibir cuatro retratos en la Sociedad de Artistas de Gran Bretaña, se convirtió en miembro honoraria de esta institución junto a otras dos pintoras, Catherine Read (pintora n.º 40) y Mary Benwell (pintora n.º 93). Además de pintar, dio clases a miembros de varias familias aristocráticas, lo que le permitió vivir de forma independiente y mantener un hogar con sirvientes e incluso un carruaje. Nunca se casó y murió repentinamente en su casa de Londres en 1814.

De ascendencia francesa, nacida y activa en Londres, hija del pintor Philippe Mercier (1689-1760), al igual que su padre, se especializó en retratos al pastel y grabados. Apenas sabemos nada de su vida, pero sí se conservan algunas de sus obras. En la colección permanente del Museo Nacional de Mujeres Artistas, en Washington, D. C., se encuentran dos obras pintadas por ella, los retratos al pastel de Madeleine Marie Agathe Renée de la Bigotière de Perchambault y de Olivier-Joseph Le Gonidec, ambos de 1757. En la National Portrait Gallery de Londres, se conserva su grabado a media tinta titulado Señorita jugando con una copa y una pelota, un grabado realizado a partir de un dibujo de su padre. Esta galería también cuenta con un retrato de Charlotte Mercier grabado por James MacArdell según un dibujo de Philippe Mercier.

Hija de Jean-Pierre Joly, abogado del Parlamento de París, y, supuestamente, pariente lejana del marqués de Marigny, hermano de madame Pompadour (pintorA n.º 39), posiblemente aprendiera pintura de la mano del pintor de miniaturas Jean-Baptiste Weyler (1749-1791) y en 1761 se casó con el cirujano Louis Claude Cadete de Gassicourt (1731-1799), con quien tuvo varios hijos, de los cuales sabemos que Henriette-Thérèse se casó en 1781 con Jean-Baptiste Weyler; Marie-Aglaé se casó en 1787 con el grabador Julien-François Fatou [El supuesto maestro de pintura] y se convirtió en miniaturista como su madre, pero no tenemos más datos sobre ella, y, por último, su hija Rosalie-Louise, después de divorciarse de su primer marido, Jean Lemarie, se casó en 1794 con Marc-René, marqués de Montalembert. En 1787 Aglaé Cadet fue nombrada pintora de la reina y en 1789 se sabe que realizó un esmalte con el retrato de Maurice, conde de Sajonia basado en una obra del pintor Jean-Étienne Liotard (1702-1789). En 1791 mostró un retrato del banquero y estadista ginebrino Jacques Necker en el salón de París. Louis-Marie-Augustin d’Aumont (1709-1782), quinto duque de Aumont, fue un célebre coleccionista de arte, cuya colección contaba con cinco esmaltes de Aglaé Cadet, pero esta colección se dispersó tras la muerte del conde durante una venta pública. Aunque es más conocida por sus miniaturas y esmaltes, se le conoce un pastel similar en composición a las obras de Weyler, su maestro.

Desconocemos los datos iniciales de su vida, pero parece que tuvo varios maestros y que primero se formó con el grabador Cosimo Colombini para después estudiar Pintura con Violante Beatrice Siriès Cerroti (pintorA n.º 18) y finalmente trabajó con Giuseppe Parenti, un alumno del pintor florentino Vincenzo Meucci (1694-1766). Para la iglesia de Castelfalfi de Florencia realizó una pintura de un San Lorenzo y para varias iglesias de Porciano, Pontedera y Lari, pintó varios retablos. Casada y establecida en la ciudad de Arezzo, continuó pintando y, entre otras obras, realizó un lienzo para los sacerdotes capuchinos de esta ciudad.

Probablemente fuera la tía del pintor de género John Hodges Benwell (1764-1785). Se dice que fue alumna de John Russell (1745-1806), aunque él fuera menor que ella, y que también tuvo como maestra a Catherine Read (pintorA n.º 40), de la que recibió gran influencia de estilo. Residió en Warwick Court, Londres y, entre 1761 y 1791, exhibió sus retratos y miniaturas en la Sociedad de Artistas de Gran Bretaña, de la que se convirtió en miembro honoraria en 1769 junto con otras dos pintoras, la ya citada Catherine Read y Mary Black (pintorA n.º 89). En 1765 presentó los retratos de Las tres señoritas Ladbrook, hijas del banquero y parlamentario sir Robert Ladbroke, de las que comentaron que habían sido realizadas «con gran facilidad pero con falta de corrección». También expuso en la Real Academia de 1775 a 1791, aunque no llegó a ser académica. En un artículo sobre mujeres artistas en la revista Artist’s Repository and Drawing de 1785, un corresponsal anónimo publicó:

«En la actualidad, la señora Benwell ha demostrado mucha habilidad en el manejo de dibujos con lápices de colores y, en verdad, creo que hay algo muy aplicable en ese método de pintar a la delicadeza del toque de una dama; están libres de algunas de las dificultades que acompañan constantemente a la pintura al óleo, son limpias en su funcionamiento y perfectamente inodoras.»

Desde luego, una descripción así de una pintura jamás se habría hecho sobre un artista masculino, sabiendo además que Benwell también trabajó el óleo y adquirió con él cierta reputación. En agosto de 1782 se casó Robert Codd, oficial militar destinado en Gibraltar y para 1800 vivía jubilada en Paddington. En 1808 Mary ya era viuda y realizó su testamento pidiendo ser enterrada con sus padres y hermanas en la localidad de Cookham. Entre los retratos que pintó está el de la reina Carlota de Mecklemburgo-Strelitz, que más tarde fue grabado por Richard Houston (1721-1775), el Retrato de miss Brockhurst, The Studious Fair, grabado por Charles Spooner (m. 1767), y un Cupido desarmado grabado por Charles Knight (1743-1827). Un rasgo distintivo en todos sus retratos es la boca, pues crea una mueca en forma de «V». En 1780 el erudito Giovanni Fabbroni obsequió a los Uffizi con un autorretrato en miniatura firmado y fechado por Mary Benwell en 1779.

Apenas hay datos de ella salvo que fue monja en el convento de Santa Maria della Neve, en Pistoia, en la región de la Toscana. Allí realizó un retablo de San Francisco de Sales en pastel para la capilla. Aunque no sabemos la fecha en la que lo hizo, pudo haber coincidido con el establecimiento en 1739 del Instituto de San Francisco de Sales en dicho convento.

La más joven de las dos hijas de James Smyth MP de Canons Leigh y su esposa Grace. En 1760 se casó con Charles Bingham, que más tarde sería el primer conde de Lucan y con quien tuvo al menos cinco hijos: Lavinia, Leonor, Luisa, Anne y Richard, que sucedió a su padre en el título. Margaret se dedicó a la copia de obras de otros pintores y a las miniaturas de retratos, escribía poemas y cuidaba de su familia. Trabajó tanto en Inglaterra como en Francia, donde tuvo acceso al Palacio Real de París para copiar piezas de los artistas que allí se exponían, obras propiedad del duque de Orleans. Su trabajo más importante fueron las miniaturas e iluminaciones que realizó para una edición de cinco volúmenes de las obras históricas de Shakespeare. Este trabajo, que le costó dieciséis años completar, se hizo para la biblioteca de la casa señorial de Althorp, en Northamptonshire, Inglaterra, hoy en día dirigida por el conde Spencer, hermano de la difunta Diana, princesa de Gales. También pintó retratos, bodegones y paisajes, y fue admirada por el escritor Horace Walpole (1717-1797), quien, en sus Anécdotas, le atribuye:

«un genio que casi deprecia a aquellos maestros (de los que copió), cuando consideramos que pasaron su vida en alcanzar la perfección.»

Como escritora publicó hacia 1778 la obra Versos sobre el estado actual de Irlanda, una fuerte protesta poética contra el trato de Gran Bretaña a Irlanda. Fue publicada en Dublín, Irlanda, bajo el seudónimo de «Lady L-n». Murió en 1814 en St. Jame’s Place, en Londres. En la Colección de Retratos Galeses de la Biblioteca Nacional de Gales se conserva un grabado de su retrato de autor desconocido, pintado en la década de 1770. En 1990 apareció una bibliografía de sus escritos.

Hijas y alumnas del retratista germano-danés Johann Georg Ziesenis (1716-1776), pintor de la corte de Hannover. Margaretha fue retratista y también produjo copias en miniatura de obras de otros pintores.

Maria Elisabeth se casó en 1776 con Johann Bodo Lampe (1738-1802), director del Jardín Botánico de Hannover. Sus trabajos fueron en su mayoría realizados en óleo, aunque en algún momento también utilizó el pastel y, al igual que su hermana, produjo pinturas en miniatura. En 1780 se convirtió en miembro de la Academia de Arte de Kassel (Alemania), donde expuso un autorretrato en tonos pastel y fue calificada como aficionada. Un par de pasteles que han llegado a nuestros días muestran una gran atención al detalle, especialmente en la representación de los ropajes y accesorios de los modelos. En la Galería Nacional de Dinamarca se conserva un retrato de Maria Elisabeth Ziesenis realizado por su padre entre 1760 y 1776.

Sabemos que fue aprendiz del pintor Charles Willson Peale (1741-1827) porque en su biografía se cita a Esther y porque la influencia de Peale en su obra se puede apreciar tanto en las largas caras ovaladas de sus retratos como en su método de aplicación del color. Casada a principios de 1772 con el también pintor de retratos Henry Benbridge (1743-1812), con el que tuvo un hijo el 13 de diciembre de ese mismo año. Debido al asma que su esposo sufría, este se trasladó buscando un mejor clima a Charleston, Carolina del Sur, donde estableció un estudio de retratos. En abril de 1773, la artista, junto a su madre y al bebé se reunieron con él. En la edición del 5 de abril de la South Carolina Gazette, el primer periódico exitoso de Carolina del Sur, Hetty fue mencionada como «una pintora en miniatura muy ingeniosa» que había llegado desde Filadelfia. A partir de ese momento ya no se la menciona y se cree que pudo haber fallecido hacia 1776.

Solamente se han encontrado diez miniaturas atribuidas a ella, aunque ninguna lleva su firma. Están pintadas en acuarela sobre marfil y engarzadas en pequeños medallones dorados. Ocho de las miniaturas son retratos de mujeres, como el que representa a Anne Wragg Ferguson con dieciocho años, las otras dos son el retrato de un niño y el de un hombre de Carolina del Sur, John Poage.

Los pocos datos que tenemos de ella proceden de los anuncios publicados en la South Carolina Gazette y de los testamentos de varios de sus amigos. Estuvo casada con un impresor y pintor conocido como el obispo Roberts, que ofreció sus servicios a la revista en 1735 y que falleció en 1740. Fue entonces cuando Mary Roberts apareció por primera vez en esta publicación haciendo una declaración sobre la muerte de su esposo. En ella se ofrecía a proporcionar «pintura facial bien realizada por la dicha Mary Roberts, que tiene varios cuadros y una imprenta para desechar». En 1746 volvió a ofrecer la imprenta y debió de pasar dificultades económicas, porque, según el testamento de un hombre llamado William Watkins, este le dejó a su muerte en 1747 cincuenta libras para el mantenimiento del hijo de Roberts. Además, tras la muerte de un amigo en 1750, recibió un legado de ropa y muebles. Mary Roberts murió en Charleston en 1761 y su entierro fue registrado en la iglesia episcopal de San Felipe el 24 de octubre de ese año.

Hasta hace poco solo se conocían tres retratos en miniatura de la artista con la inscripción «MR» y sin fecha. Por los estilos de la ropa y las pelucas representadas, se cree que datan de la década de 1740. Uno de los retratos en acuarela sobre marfil, de una mujer de la familia Gibbes Shoolbred, mantiene su marco original de oro engastado con granates. Esta obra se mantuvo a través de los años en esta familia antes de llegar al Museo de Arte Gibbes de Charleston. En 2006 se encontraron en Shrublands, la finca familiar de la familia Middleton en Inglaterra, cinco acuarelas en miniaturas de marfil de un grupo de niños, primos entre ellos, que fueron compradas por el Museo Metropolitano de Arte en 2007. Todas conservan su caja de oro original firmada «MR» y fueron pintadas entre 1752 y 1758.

Artista conocida por los diseños que realizó junto a Diana Beauclerk (pintorA n.º 73) y Elizabeth Upton (pintorA n.º 127), para la fábrica de cerámica Wedgwood. También realizó pintura botánica, formando parte del círculo del médico Erasmus Darwin (1731-1802), para quien pintó el frontispicio de su obra Los amores de las plantas.

Nació en Suiza, pero pasó su infancia en Austria, de donde era su familia, y muy pronto fue reconocida como niña prodigio que destacó en idiomas, música, canto y pintura. De niña aprendió idiomas con su madre Cleophea Lutz (1710-1757) [Alemán, italiano, francés e inglés] y comenzó a pintar ayudando en la decoración mural de iglesias a su padre, Joseph Johann Kauffmann (1707-1782), un modesto pintor que viajaba por trabajo y que, al advertir el talento de su hija, la convirtió en su asistente. Su padre la llevó de viaje por Suiza y Austria y pronto la fama de excelente pintora de Angelica se extendió entre la clase alta austríaca y, antes de cumplir los quince años, ya retrataba por encargo. También viajaron varias veces a Italia para que la joven se instruyera copiando a los grandes maestros del Renacimiento y la cultura clásica. De hecho, Angelica pudo iniciarse en pintura de historia, el género pictórico más prestigioso y tradicionalmente vetado a las mujeres. En 1755 la familia se trasladó a Milán hasta que en 1757 murió la madre y padre e hija volvieron a Schwarzenberg. Pero a sus veinte años, Angelica, ya sin su padre, volvió a Italia para recorrerla: en 1762 estuvo en Florencia, donde entró en contacto con los círculos artísticos neoclásicos; en 1763 fue a Roma, donde conoció a personalidades del mundo del arte como el arquitecto y grabador italiano Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) y el historiador de arte alemán J. Joachim Winckelmann (1717-1768), que apreció el talento artístico de Angelica. En 1765 hizo mucho dinero en Roma retratando a los viajeros del Grand Tour además de ser nombrada miembro de la Academia de San Lucas de Roma y ese mismo año se dirigió a Venecia a estudiar la obra de Tiziano y sus contemporáneos. Allí entró en contacto con lady Wentwort, la mujer del embajador de Inglaterra, quien la animó a visitar el país, y así fue como, entre 1766 y 1781, Angelica residió en Londres, donde se hizo muy rica y famosa retratando a toda la jet set londinense y la Familia Real británica, realizando diseños para la decoración de interiores de importantes edificios, como las cuatro grandes pinturas alegóricas que realizó para la sala de reuniones de la Real Academia. En Londres conoció a artistas como Joshua Reynolds (1723-1792) y Mary Moser (pintorA n.º 113), junto a los que participó en la fundación de la Real Academia de Arte, en 1768.

Del que se hizo muy amiga

De su vida personal sabemos que en 1757 se casó con un supuesto noble sueco, el conde de Horn, que resultó ser un impostor, además de bígamo, y del que se divorció a los pocos meses tras descubrir el engaño y que en 1780, tras la muerte de este, consiguió la nulidad de aquel matrimonio y se casó con el pintor veneciano residente en Inglaterra Antonio Zucchi (1728-1795). El matrimonio se instaló en Roma, donde Kauffmann pasó a formar parte del grupo de pintores ingleses que copiaron obras en la Galería Uffizi y trabó amistad, entre otros, con J. W. Goethe (1749-1832), quien dijo que era la mujer más dotada de Europa y que trabajaba más duro y lograba más que ningún otro artista que él conociese. En 1792 es admitida en la Academia de las Artes del Dibujo de Florencia y en 1797 expone por última vez en la Academia de San Lucas de Roma, en la que había ingresado con tan solo veinticuatro años. Durante los últimos años de su vida recibió numerosos honores, convirtiéndose en una de las artistas más célebres del momento. A su muerte, el escultor Antonio Canova (1757-1822) organizó la ceremonia funeraria siguiendo el modelo del funeral del gran Rafael. Fue una de las personas más deslumbrantes de su tiempo y, sin embargo, no estuvo exenta de verse salpicada por rumores y envidias provocadas por el encanto personal y la perfección que transmitía en todos los aspectos y que suscitó la idea de que no podía ser tan buena artista como parecía. El escritor Horacio Walpole (1717-1797), en su Anecdotes of Painting, la describió así:

«Era guapa, cantaba bien y tenía buen carácter. Pintaba al óleo con elegancia pero superficialmente.»

Ampliamente admirada entonces y hoy en día, se la sigue conociendo como una de las mejores artistas de la historia del arte a nivel técnico, pero, sobre todo, por el cúmulo de logros importantes que alcanzó. Su obra llegó a ser ampliamente conocida a través de grabados de Bartolozzi y fue también fuente favorita de motivos para fábricas de porcelana, abanicos, mobiliario, etc. En la ciudad austríaca de Schwarzenberg, lugar originario de su familia, se encuentra un museo dedicado a su vida y obra. Se conservan más de quince autorretratos de Angelica Kauffmann: con la paleta en la mano, tocando algún instrumento, dibujando, como alegoría de las artes y de la música, etc.

Leyenda de Cupido y Psyche, óleo sobre lienzo. Museo Revoltella, Trieste, Italia.

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